Arte Abstracto: Origen, Características, Tipos, y mucho más

Aprende todo sobre el arte abstracto, manera de manifestación artística que elimina de toda figuración y ofrece una nueva existencia distinta a la natural.​

arte abstracto

¿Qué es el arte abstracto?

El arte abstracto se define como un movimiento artístico, que tiene como punto central el uso de la figuración. El objetivo principal del arte abstracto es realizar una propuesta a una nueva perspectiva de la realidad que se basa en las formas y los colores que los componen, sin embargo se desconecta de la realidad en la que nos encontramos.

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El arte abstracto representa una vista variada de quien observa la obra, esto quiere decir que hace una simulación de multiplicidad de vistazos en un mismo instante y de distintos ángulos por parte del espectador. Pero la abstracción de este estilo de arte no expresan todo el tiempo esta característica de la misma manera. Comúnmente lo abstracto casi no se percibe. En otras ocasiones, lo abstracto es un poco más obvio y notable.

Este tipo de expresión artística no tiene la intención de ser perfecto en sus representaciones, sino todo lo contrario, esconde el mundo real. En pocas palabras, cualquier obra de arte que contenga una alteración a la realidad en cuanto a la forma o el color, en algunos casos ambos, se puede considerar una obra de arte abstracto.

Significado

Con la intención de conocer mejor que es el arte abstracto, es necesario tener en cuenta el término “abstracto”. La abstracción se entiende como la acción y lo que resulta abstraer, que significa que no existe la capacidad de ser percibido por medio de los sentidos, hace una exclusión a lo material y se distancia del mundo real. En el momento que esta palabra se une al aspecto artístico, se encarga de representar la idea de no crear seres u objetos concretos, expresándose con formas, colores, estructuras o proporciones con una profunda interpretación.

Definición

El arte abstracto es una manera de expresión artística que desprecia cualquier tipo de figuración y no se basa en elementos del mundo real, sino se basa en sentidos no tan tangibles, como sentimientos, pensamientos o ideas.

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En este tipo de expresión artística destaca las ideas o conceptos en deterioro de las representaciones figurativas del mundo que nos rodea y podemos percibir.

El arte abstracto es un tipo de arte moderno que se muestra cómo el contrario al realismo y a la fotografía, y para su entendimiento se es necesario la imaginación y la comprensión desde una perspectiva que va más alejado de la lógica para poder disfrutar de una obra de arte abstracta.

En el campo de las artes visuales, esta expresión artística se le conoce por sus representaciones en el área de las pinturas y las esculturas, pero también se pueden apreciar otras formas del arte abstracto, como es el caso de obras arquitectónicas, en artes escénicas como lo es la danza y la música, y en el campo literario.

Características

  • Estas obras no expresan los sentimientos propiamente del autor. La intención del arte abstracto consiste en expresar estados puros de conciencia o inconsciencia.
  • Los colores y formas de este estilo contiene su propia expresión artística. Esto hace que los rayos que se cruzan entre las distintas formas, originan elementos espaciales que son usados en el arte abstracto.

  • Las figuras no poseen fuerza en este campo del arte. Esto hace que el cuadro se convierta en único componente geométrico de toda la obra. Por esta razón el arte abstracto se conoce como la simplicidad al extremo de las formas.
  • El significado de la obra hace el intento de ser percibido aunque no desea transmitir la sensación del autor. De alguna manera, la obra quiere encontrarse en un mundo externo a la realidad, llenando de representaciones lo abstracto.
  • A pesar de que el arte abstracto tiene aspectos parecidos al arte de la Prehistoria, se considera un tipo de arte que rompe con los esquemas de la concepción del arte que se había comprendido al respecto durante su surgimiento. Por esta razón todavía gran parte de las personas no consideran el arte abstracto como una expresión artística.
  • Lo que intenta la abstracción pura es distanciarse lo más que se pueda del mundo real hasta que lo único que se conserve de este mundo sea su significado y belleza. De este modo, se quiere destacar la belleza de la obra por sí sola.
  • Los materiales que se usan en las obras abstractas llegan a poseer más significado que su simple utilización.

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  • La localización de los elementos y las técnicas utilizadas, y también los materiales alternativos tienen la intención de expresar un significado o algo más profundo como ideas o sentimientos.
  • El título de las obras que se realizan bajo este tipo de expresión artística busca la atención inmediata de su público. De esta forma el título sirve de gran apoyo para la interpretación de lo que el autor de la obra quería representar. En algunos casos las obras carecen de título para alejarlo más de la realidad.

Origen e historia

El primer artista que planteo su arte a un concepto muy similar a los elementos que representan el arte abstracto, es McNeill Whistle, que al presentar su obra titulada “Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket” en el año de 1872, propuso una idea que se enfocaba más a las sensaciones visuales que en lo que representan los objetos. De este modo forma, muchas pinturas de grandes artistas de plen air como John Constable, J. M. W. Turner, Camille Corot y muchos otros, enfocaron un interés objetivo.

A principios de la década de 1910, fueron desarrolladas varias tendencias relacionadas a lo abstracto a través de los movimientos vanguardistas en distintos países de Europa. Sus predecesores más cercanos se consideran dos importantes movimientos de innovación, como lo son el impresionismo y el fauvismo.

Las tendencias más importantes del arte abstracto son originadas de un doble matriz formal, que suele buscar un orden y una racionalidad que hace un distanciamiento inmediato a la realidad, aunque simultáneamente se pueda reconocer las fuerzas creativas del ambiente.

Una de las tendencias principales se considera como un lenguaje que se basa en las funciones de expresión y significado de los colores, en el ritmo que fluye debido a las analogías reciprocas de las formas concretas. Esta tendencia nace de las emociones, se es influenciado por loa música, además de los estudios psicológicos y los principios de percepción realista.

Kandinsky realizo investigaciones en las que se intentó basar en el desarrollo concreto con el grupo Der Blaue Reiter y Paul Klee, que se puede apreciar públicamente en la Bauhaus, luego de terminar la guerra.

La primera obra que se consideró bajo los fundamentos del arte abstracto, fue la acuarela de Wasily Kandinsky en el año de 1910, que hoy en día se expone en el Museo Nacional Moderno, Centre Georges Pompidou, ubicado en París. Kandinsky fue el primer artista conocido con pirtar sin partir de algún resto de figuración. La pintura se caracteriza por poseer un lenguaje vibrante de líneas con colores diferentes y que cada color representa algo en el mundo real, como el azul del cielo y el verde que simboliza la tierra, expresa racionalidad y emoción espitualidad y pasión.

La otra tendencia principal de este tipo de expresión artística, es muy diferente a la primera, debido a que se basa en lo matemático y se simplifica radicalmente en la abstracción geométrica. Los primeros representantes conocidos de esta tendencia son los que conformaban el grupo holandés De Stijl. Tambien se pueden apreciar estas características en las obras realizadas por los artistas Francis Picabia y Robert Delaunay.

Piet Mondriat elaboro una obra llamada “Composición A” en el año 1923 y que en la actuaidad se encuentra en la Galleria d’Arte Moderna, localizada en Roma, y representa una intensidad y una muy singular fortuna artística, que hace referencia a la época que Mondriat se encontraba cercano a Theo Van Doesburg. Ambos artistas crearon los fundamentos teóricos del arte abstracto geométrico y constructivista, a través de su revista De Stijl.

Con la finalidad de formar un nuevo mundo estético basado en los principios de la objetividad, se volvió a evaluar la obra de Malevich en el año 1914, titulada “puesta a cero”, y así se buscó constructivamente todos sus elementos.

Kandinsky y el expresionismo abstracto

Kandinsky realizó los más relevantes pasos en cuanto el expresionismo abstracto durante los años de 1910 hasta 1914, periodo del Blaue Reiter. Kandinsky no realiza su obra como los cubistas suelen descomponer sus imágenes por medio de líneas geométricas, sino que lo descompone con un energético sentido del color.

En el año de 1914, Kandinsky se encontraba en Moscú y formo parte de la Revolución Rusa, siendo nombrado profesor de los talleres artísticos, ininiando de este modo sus pasos constructivistas. Su búsqueda termina afirmándose luego de su vuelta a territorio alemán en 1922, cuando tuvo que ver en los trabajos de Klee y en la Bauhaus en Weimar. Desde ese entonces, las obras de Kandinsky son inspiradas en una envoltura geométrica pero sin abandonar el intenso lirismo del color.

Luego de hacer público su destacado libro, titulado “Punto y línea sobre plano” en el año de 1926, el estrecho laso que unía a Kandinsky y la Bauhaus se rompe. Desde ese momento el artista se dirige a París para seguir realizando sus pinturas hasta su fallecimiento.

Música

Se puede considerar que el arte abstracto tiene una relación con la música. La música puede proveer un claro ejemplo de un estilo de arte que utiliza algunos elementos abstractos en sus sonidos y en cómo se distribuyen sus tiempos.

Vasili Kandinsky también se le conoce una faceta musical, por esta razón se inspiró a que existiera la posibilidad de marcas y color asociativo que resonaran en el alma. Esta propuesta había sido obra de Charles Baudelaire, que dice que todos nuestros sentidos dan una respuesta a diferentes estímulos aunque los sentidos se encuentran unidos en un nivel estético más profundo.

Esto quiere reflejar la idea de que el arte posee una dimensión espiritual y tiene la capacidad de trascender la vida diaria, llegando a alcanzar un plano espiritual.

Bajo este contexto, muchos artistas, como Piet Mondrian, Vasili Kandinski y Hilma af Klint, realizaron sus trabajos con el objetivo de alcanzar el “estado sin objeto”, así que su interés se centró en la creación del objeto interior. Las formas tradicionales que todo el mundo conocen se hallan en el espacio geométrico, como lo es el círculo, el cuadrado, el triángulo, llegaron a formar parte de los elementos del arte abstracto, además la utilización del color constituye un elemento fundamental para ocultar la realidad de la vista.

Técnicas

El dominio de las técnicas para realizar obras abstractas se necesita mucha práctica. Este tipo de arte genera muchas opiniones que lo convierte en muy controversial. Muchas personas ven el arte abstracto como algo simple y que cualquiera tiene la capacidad de pintar una obra de arte abstracto, aunque se puede apreciar que cualquiera que haya hecho el intento de pintar un cuadro abstracto ha notado que la elaboración de un cuadro abstracto de calidad se es necesaria la práctica y el dominar la técnica.

No es de importancia la técnica de pintura abstracta que se trabaje, sino que se basen tres puntos esenciales, que pueden comprenderse como la composición, el color y la textura. Si se intenta elaborar un cuadro abstracto sin tener en cuenta estos tres puntos se estará haciendo una pieza muy difícil y con altas posibilidades de que sea una pieza poco estética y con mínima calidad artística.

Ahora se pueden apreciar varias técnicas de piezas abstractas que tienen el objetivo de beneficiar a una pintura de calidad. Cabe destacar que la pintura se puede ver como un juego y cualquier error puede ser enmendado.

Jugar con el lienzo y la gravedad

De todas las técnicas, esta se considera la más divertida. Se comienza pintando algún elemento y se prosigue volteando al cuadro y volviendo a pintar otra cosa. Se mantiene dando vueltas a la obra y al mismo tiempo se va pintando para así darle un toque interesante con dimensiones variadas.

Jugar con el fondo de la obra

Al realizar las capas de pintura, se deja el lienzo parado para que se escurra la pintura hacia la parte inferior del cuadro y así luego usar la imaginación con los elementos que están alrededor debido a que estos suben las posibilidades de que se obtenga maravillosos efectos en la obra, demostrando así que no los objetos convencionales no son necesarios para crear atractivas pinturas, usando únicamente la creatividad.

No hay reglas en el arte abstracto

El elemento más destacado de las técnicas de arte abstracto es la libertad y el quebrantamiento de las reglas establecidas. Haciendo así que el momento se deje fluir en la obra. En algunos momentos, las pinturas exigen un color exacto o una forma exacta, ubicándose en algún lugar del lienzo.

De este modo no se debe temer a plasma la idea que pasa por la cabeza del artista, recordando siempre que los errores pueden enmendarse en este tipo de expresión artística, que en algunas ocasiones no representan un error, sino todo lo contrario, puede ser un elemento que le dé vibra a la obra de arte.

Utilizar la música como guía

Para mayor inspiración se es recomendable colocar la música favorita de quien realice la obra. De este modo el ritmo de la música tiene la capacidad de controlar el desenvolvimiento de la obra. Esta técnica le da un buen ritmo a la obra.

Utilizar otros objetos

En algunas ocasiones los artistas se limitan a usar solamente colores o pinturas de un solo tipo. Para darle más vibración a la obra se recomienda utilizar otros objetos que no sean los convencionales, como papeles o recortes, con esta incorporación se puede agregar textura y dimensión a la obra.

Utilizar fotografías como referencia

Esta técnica es muy utilizada en el arte tradicional y también puede tener gran utilidad en el arte abstracto. Se pueden usar fotografías sacadas de Internet o fotografiar los objetos propios. Se puede recortar estas fotografías de diversas maneras y de este modo darle una forma interesante que tiene la capacidad de incorporar en su obra de arte.

No solo se utiliza pintura

Este tipo de expresión abstracta no se limita a solo el óleo o acrílico, se tiene la libertad de utilizar pasteles, acuarelas, lápices, carbón, entre otros materiales. Lo más importante del arte abstracto es la imaginación y no temerle a los cambios drásticos.

Recordar que en el arte abstracto no hay errores

Existe la posibilidad de que las formas o colores que no son del agrado del artista puedan ser solucionadas en este tipo de arte. Aveces cuando se concluye una obra, hay elementos que no son del total agrado del artista y este lo soluciona pintando de blanco nuevamente el lienzo, para volver a empezar. El cuadro no siempre tiene que ser perfecto, debido a que la perfección se entiende como algo subjetivo en este tipo de expresión artística.

Componentes de las técnicas del arte abstracto

Para elaborar una obra de arte abstracto de calidad, se deben tomar en cuenta algunos componentes esenciales que se pueden explicar a continuación:

Composición

Cuando se refiere a la composición de una obra, entiende el sitio donde se hayan ubicados los objetos en la pieza, convirtiéndose en el punto focal de la obra. La composición comprende el tamaño, forma y distribución de los objetos en la pintura

Textura

La textura tiene la capacidad de aumentar la calidad de una obra y hacerla destacar. Hay gran variedad de maneras de originar texturas en una pieza, la forma más fácil es utilizar una capa de pintura gruesa. Además existen varios medios para crear diversos tipos de texturas.

Lo más esencial de las técnicas de piezas abstractas es que se mantiene una textura consistente y no intenta exagerar las texturas. Algunos pintores utilizan erróneamente las texturas exagerándolas innecesariamente, rompiendo la estética de la obra y convirtiéndola en una pieza sucia. Lo que se recomienda a los artistas principiantes en esta área es aplicar varios tipos de técnicas en una pintura y elaborar una obra e práctica para empezar para de este modo conocer las distintas texturas y saber cuál encaja mejor en tu idea.

Color

Uno de los errores más comunes de varios artistas es utilizar una gran cantidad de colores sobre la obra sin darle un sentido. Antes de iniciar la pieza, se debe tener ya concreto la paleta de colores que se usara en la obra abstracta. Se recomienda usar una paleta limitada pero con el uso de la creatividad al máximo para poder mezclarlos.

Se debe evitar la utilización de los colores directamente del contenedor del acrílico. Se debe usar matices variados y gran variedad de colores. Es recomendado usar los colores primarios y partiendo de ellos se crean varios colores distintos.

Tipos

Dentro del campo del arte abstracto se pueden encontrar varios tipos, que tienen gran fama por su belleza y representación. Entre los más importantes se encuentran los siguientes:

El Neoplasticismo

Este tipo de arte abstracto se basa en excluir cualquier clase de emoción, debido a que es regido por las reglas matemáticas y la simplicidad radical de la geometría. El artista Mondrian prefiere referirse este tipo de arte abstracto como abstraccionismo geométrico, debido a que sus obras no las consideraba una abstracción sino una metáfora de la realidad. Entre los grandes artistas de este género se destacan The Van Deosburg, Mercedes Pardo y Pedro Briceño.

 El Constructivismo

El constructivismo se refiere a una manifestación artística representada en tres dimensiones. Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko y Casimir Malevitsch  fueron quienes propusieron este tipo de arte abstracto. Muestra una variante diferente a los otros tipos de expresiones artísticas por que le da un punto de vista desde otra perspectiva, uniendo algo tan profundo como lo abstracto con las artes tridimensionales que siempre causan gran impacto.

El Informalismo

El estilo informalistico en el arte abstracto se refiere a lo no geométrico, que destaca la materialidad de la pintura y su variedad de posibilidades técnicas. Este tipo de arte abstracto resiste de los elementos figurativos y no figurativos y por esta razón el color resalta como su materia y sujeto en la obra. La manera en que se puede utilizar es una extensión directa de la expresión artística. Algunos artistas destacados son Georges Mactchieu, Hans Hartung, Jean Fautrier, Jackson Pallock, Alberto Burri, entre obros grandes exponentes.

Abstracción Lírica

La abstracción lírica se define como una tendencia dentro del campo abstracto que surgió en el año de 1910, partiendo como referencia como inicio de la pintura abstracta la obra del artista Vasili Kandinsky llamada irónicamente “Primera acuarela abstracta”

Durante ese año también realizo una obra titulada “De lo espiritual en el arte”. Kandinsky buscaba dar un ejemplo a la abstracción espontanea. A principios de la década de 1910, comenzaron los movimientos representativos de la abstracción basada en los sentimientos, expresadas por los artistas del Zikario de Múnich Der Blaue Reiter.

Lo que busca expresar los artistas de este género artístico son las emociones pictóricas que presenta el autor. Se rechaza la representación del mundo real de manera objetiva. La técnica más utilizada por los artistas abstractos líricos es la acuarela, además de realizar pequeños bocetos y apuntes. Sin embargo, son pintados también grandes oleos sobre telas. En este estilo el color se destaca sobre la forma.

Elementos

Lo que distingue este tipo de arte abstracto de los demás es que cumple con la premisa de que es “lírico”. Existe la capacidad de definir este término como la expresión de las emociones del artista.

Se conoce que varias obras de arte abstracto se dirigen al contenido emocional, la abstracción lírica principalmente busca transmitir un sentido de visión espiritual mucho más elevado que cualquier autor quiere plasmar en sus piezas.

Tiene que ver con la sensibilidad mística, haciéndola más completa que una obra de acción. Algunas obras de Adolph Gottlieb quieren transmitir un sentido de autoencuentro y autoconfrontación, adentrándose a un campo más complejo que el real.

La abstracción lírica define un estado mental, una idea, emoción, pensamiento o concepto que sale con la intención de materializarse en el mundo real de una forma abstracta. Su campo es más amplio que los convencionales, es mucha más que solo composición, tono, valor, líneas, etc.

Sin embargo las obras más reconocidas de esta expresión artística llevan incorporados estos elementos, pero su objetivo siempre intentara acercar a cada persona con el “uno mismo” hacia el arte.

Características

Para que una obra se considere bajo las características de la abstracción lírica, necesita poseer los elementos que se exponen a continuación:

  • Su contenido toca mucho las emociones.
  • Comunican algún aspecto importante.
  • Se basa en orientarse espiritualmente.
  • Simbolizan elementos estéticos relacionados con el diseño, el color y la composición.
  • Su intención se direcciona a explorar ideas y estados de la mente, a diferencia de los dogmas del arte que se consideran vacíos.

Expresionismo y Contemporáneo

El expresionismo abstracto se define como un movimiento artístico contemporáneo dentro del campo abstracto, nace de las tendencias informalistas y de materias que aparecieron luego de la II Guerra Mundial. Se origina en la década de 1940 en el país norteamericano y fue esparciéndose poco a poco por todo el planeta. Es considerado el primer movimiento nacido en territorio estadounidense dentro del área abstracta. (Ver artículo: Arte Contemporáneo)

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Características

Existen varias características para que una obra abstracta se considere dentro del campo del expresionismo y se pueden apreciar a continuación:

  • Se prefiere los grandes formatos. Se trabaja comúnmente con óleo sobre lienzo.
  • Define su término de abstracción por evitar la figuración. Sin embargo, existen algunas excepciones que son utilizados trazos figurativos, como por ejemplo el famoso caso de las Mujeres de Willem de Kooning. El cuadro le da una característica geométrica.

  • La concepción de la superficie de las obras es diferente a cualquier tipo de arte, significa un área abierta de toda la superficie de la pieza.
  • El campo cromático se ve muy limitado, con los colores blanco, negro, magenta, amarillo y cian. Los artistas expresionistas que disminuyeron sus pinturas a un solo color, se adelantaron al movimiento minimalista.
  • Estas piezas diseñadas en formatos grandes, tienen la característica de poseer atributos como la angustia y el conflicto, que se puede considerar la realidad que vivía este tipo de arte durante su surgimiento.

Arte abstracto orgánico

El arte abstracto orgánico es otro estilo dentro del campo de la abstracción, surgió como un movimiento artístico pero que recopiló muchas obras de varios artistas. Se puede denominar también como abstracción biomorfica.

El arte abstracto no toma en cuenta la representación figurativa, debido a la descomposición de objetos y su sustitución a un lenguaje visual que se encuentra en la mente del artista. La parte orgánica hace referencia a la representación de elementos parecidos que asimilan a la naturaleza, con sus distintos tipos de formas.

Se sabe que la naturaleza no es perfecta en a cuanto a formas se refiere, y por esta razón se utilizan asimetrías y movimientos. De este modo se entiende que la abstracción orgánica se encarga de descomponer las imágenes, pero con la particularidad de usar líneas curvas en vez de rectas, para darles un toque más natural.

Lo orgánico hace referencia a las relaciones de la anatomía humana con todo lo que representa la naturaleza, así como la vegetación, animales, entre otros, pero plasmado en distintos contextos cromáticos y luminosos, haciendo así que su público interprete la relación que existe entre la biología y las formas del ser humano, por esta razón este tipo de piezas suelen fluir, haciéndolas únicas e inigualables.

Arte abstracto en blanco y negro

Las obras de arte abstracto realizadas bajos los parámetros del blanco y negro tienen la particularidad de ser el centro de atención de cualquier lugar, debido a su alto impacto visual, agregándole también elegancia y sofisticación al ambiente. Por esta razón este tipo de obras tienen la capacidad de emocionar a su público, además de originar un espacio de lujo que posee la facilidad de combinar con cualquier objeto.

Entre sus características más favorables se encuentra la manera en que rompe con la tradición, suele sobresalir entre piezas clásicas, tejidos pesados y objetos tradicionales, añadiéndole sensibilidad moderna al espacio en el que se halla. Además que lo simplicidad de este estilo de arte es un descanso para la mirada de las personas.

Cabe mencionar que estas piezas en blanco y negro le agregan drama al entorno, debido a que estas añaden dimensión y movimiento en sus obras. Gracias a las líneas alejadas de la perfección y cada pincelada posee un contraste con los bordes afilados y la superficie lisa, creando una tensión de la que se puede sacar muchas expresiones.

Arte abstracto figurativo

El arte figurativo se entiende como una expresión artística, que se manifiesta principalmente en la pintura y la escultura, intenta imitar la naturaleza, también llamado por los griegos como “mimesis” y tuvo un gran impacto en el arte clásico. No tiene la mayor complicación para su entendimiento, debido a que todo intenta mostrarse lo más claro posible. De este modo al admirar un, paisaje, un retrato, o cualquier otro tipo de arte figurativo, se entiende de inmediato lo que el autor quería transmitir. (Ver artículo: Arte Figurativo)

Se considera la primera expresión del arte realizada por el ser humano, destacando la belleza de la naturaleza. En el arte medieval se elaboraban piezas en torno a la religión y en el renacimiento se sustituyeron por elementos más humanos. (Ver artículo: Arte del Renacimiento)

Con la llegada de la fotografía a finales del siglo XIX, este tipo de arte fue bajando poco a poco su popularidad, debido a que la fotografía representaba el realismo aún más marcado, plasmando las imágenes de forma idéntica.

En el campo del arte figurativo se pueden incrustar las piezas que realizan deformaciones a la realidad por medio de las caricaturas. Además en el expresionismo se puede apreciar la realidad de forma exagerada, iniciando con esta tendencia en las últimas piezas de Goya, deformando la realidad y convirtiéndola en subjetiva, para plasmar la angustia y una vista trágica del mundo, utilizando tonos morados. En el idealismo artístico se destacan la parte bella y elegante del mundo real, obviando lo vulgar.

El arte abstracto se muestra como el opuesto del arte figurativo, que se expone para destacar un ámbito más subjetivo, ampliamente dominado con pinceladas geométricas y totalmente alejado de lo que se puede reproducir de forma visual.

Arte abstracto escultura

La escultura abstracta cumple todas las características del arte abstracto, es decir, que sus obras se consideran esculturas no figurativas.

Se diferencia de las pinturas abstractas porque la escultura abstracta se denomina una obra tridimensional, que se basa en los recursos tradicionales de la escultura, como la textura y las formas geométricas, con marcas o matices. El color se utiliza comúnmente para que este se destaque. Muchos artistas de obras abstractas hacen un extremo uso de las texturas, que los llevo a la pintura matérica, el espacialismo y la escultopintura, donde se van difuminando las fronteras que separan la escultura de la pintura.

En este tipo de arte se usan elementos que no eran muy utilizados en la escultura tradicional, como lo son el movimiento y la luz. Este sirvió para el surgimiento de otros movimientos artísticos como lo son el cinetismo y el light art.

Existieron varios referentes que realizaron grandes obras de escultura abstracta de los cuales se destacan Constantin Brancusi, Henry Moore, Richard Serra, entre otros grandes artistas.

Arte abstracto tridimensional

El arte tridimensional se define por la elaboración de piezas con tres dimensiones, estas son altura, anchura y profundidad. De la misma forma que las obras bidimensionales, la realización de las piezas tridimensionales es tan antigua como as primeras civilizaciones humanas. En el periodo prehistórico los hombres creaban piezas con objetivos mágicos o religiosos, además para facilitar su trabajo y defensa con la construcción de herramientas.

Las maneras más comunes de expresiones artísticas son la escultura y la arquitectura, aunque también se puede encontrar aspectos tridimensionales en las pinturas debido a la perspectiva y al sabio manejo de las sombras y la luz. En la escultura se puede representar el arte tridimensional por medio de la talla de madera o piedras, la modelación de arcillas o cera, o también la fundición y soldadura de metales.

Características

Obviamente las obras de arte tridimensional se componen de tres dimensiones, de las cuales se definen como alto, ancho y largo, de las cuales pueden ser geométricas y orgánicas.

  • Tiene la capacidad de ser apreciada a través de cualquier ángulo o perspectiva, diferenciándose de las piezas bidimensionales que únicamente pueden ser apreciados de frente.
  • El volumen que posee la pieza es el real, como se puede apreciar en la escultura y en la arquitectura. En el caso de la pintura, este rompe la regla debido al efecto que logran las sombras y las luces para simular volumen y profundidad.

  • Las técnicas que son utilizadas en el arte tridimensional pueden ser aplicadas sobre cualquier superficie o material que pueda esculpirse o construirse en alguna estructura. Gracias a la industria cinematográfica se evoluciono para que pueda también ser aplicados en las películas e imágenes digitales.
  • Uno de los principales temas usados para la escultura tridimensional es la figura del hombre.
  • Comúnmente las obras tridimensionales se realizan con materiales como piedras, metales, ceras, arcillas, entre otros materiales.
  • El lenguaje plástico que existe en las obras tridimensionales es muy parecido entre la escultura y la arquitectura. Es muy diferente a otras expresiones artísticas bidimensional como la pintura.
  • Normalmente las piezas tridimensionales no poseen fondo. De vez de fondo se utiliza el entorno como parte de la obra y se apoya sobre una superficie.

Representantes y artistas

Bajo las características del arte abstracto se basaron muchos artistas, quienes crearon grandes obras destacadas por su belleza y significado, entre los artistas más relevantes se encuentran los siguientes:

Vasili Vasílievich Kandinski

Vasili Vasílievich Kandinski fue un reconocido artista, nacido en Rusia, en la ciudad de Moscú, el 16 de diciembre de 1866, destacándose en la pintura abstracta, además de ser su principal precursor y conocido por plantear teorías sobre el arte. Es considerado como el fundador de la abstracción lírica y el expresionismo. (Ver artículo: Cultura de Rusia)

A pesar de haber nacido en Moscú, Kandinski tuvo su infancia en Odessa, lugar en el que cursos sus estudios en la Escuela de Arte Grekov Odessa. Tambien estudio en la Universidad Estatal de Moscú, ahí se graduó de derecho y economía, para luego ejercer de gran manera su título, además de ser postulado para dar clases de Derecho Romano en la Universidad de Dorpat. Aunque tuvo la decisión de iniciar sus estudios de pintura a los 30 años de edad.

En el año de 1896, se fue a vivir a territorio alemán, en Munich, lugar que utilizó para formarse en la escuela privada de Anton Ažbe y luego en la Academía de bellas Artes de Múnich. Volvio a la ciudad de Moscú en 1914, al finalizar la explosión de la Primera Guerra Mundial. Terminada la Revolución Rusa, Kandinski adquirió grandes conocimientos sobre la administración cultural de Anatoli Lunacharski, además llego a ser Comisario de Educación de la nueva administración soviética de Rusia, sin mencionar que facilitó la fundación del Museo de Cultura de la Pintura.

Pero en esa época la perspectiva espiritual de Kandinski era alejada al materialismo argumentativo de la sociedad soviética, y algo lo llevo nuevamente a territorio alemán, volviendo en el año de 1920. En ese lugar dio clases en la escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde principios de la década de 1920 hasta que fue cerrada por los nazis en 1933. De este modo viajo a Francia, donde se estableció hasta su muerte, adquiriendo la ciudadanía francesa en 1939. En este territorio elaboró muchas de sus más reconocidas piezas. (Ver artículo: Cultura Francesa)

La evolución de Kandinski en dirección a la abstracción se justifica teóricamente en sus ideas abstractas y su amistad con Wilhelm Worringer, que se hizo público en el año de 1908. Sus argumentos se basaron en que la jerarquía de valores al uso, partiendo de las normas del renacimiento, no son válidas para la consideración del arte en otras culturas. Muchos autores artísticos elaboran sus obras a partir de la realidad pero con un toque abstracto, haciendo que las tendencias más recientes del arte nazcan de comunidades menos materialistas.

Kandinski se interesó por la teosofía, que puede ser comprendida como la verdad fundamental que nace a partir de doctrinas y rituales en cualquier religión existente. La creencia en la realidad esencial escondida bajo las apariencias, le da una racionalidad al arte abstracto.

En el año de 1912 expuso su obra “De lo Espiritual al Arte”, que criticaba a las instituciones académicas tradicionalistas y la idea del arte en general. Este libro hace referencia a la fundación teórica del movimiento abstracto y trata un periodo de inmensa espiritualidad y como contribuye la pintura a esta.

Este arte innovador se basaba en el lenguaje del color, Kandinski pautó las propiedades emocionales de cada tonalidad y colorido, se distingue sobre otras teorías del color más viejas, además de no interesarse por el espectro sino por lo que responde el alma.

Durante la época de 1926 hasta 1933, realizó 159 pinturas al óleo y aproximadamente 300 acuarelas. Muchas de estas obras desaparecieron luego de que los nazis decretaran degeneradas sus piezas. Consiguió la ciudadanía francesa en 1939.

Kazimir Severínovich Malévich

Kazimir Severínovich Malévich fue un importante artista en el campo abstracto nacido en la ciudad de Kiev, en Ucrania, el 23 de febrero de 1879. Realizó durante su vida una gran cantidad de obras reconocidas por ser de un aspecto agradable para sus espectadores y poseer un significado profundo en cada una de sus piezas. Creó el suprematismo, conocido como un movimiento de la vanguardia de Rusia de los años 1900. (Ver artículo: Cultura de Ucrania)

A mediados del año de 1930, la KGB le realizó una entrevista a Malévich en Leningrado, en la que se le pregunto sobre su nacionalidad a la que él respondió que era ucraniano. Es acusado de ser espía polaco, siendo amenazado para ejecutarlo. Varios historiadores investigaron sus antecedentes y descubrieron que Kazimir Malévich se llamaba a sí mismo ucraniano. Estuvo encarcelado solo por 90 días.

Pieter Cornelis Mondriaan

Piet Mondrian era un reconocido artista holandés, gran exponente del arte abstracto, nacido en la ciudad de Amersfoort, en Holanda, el 7 de marzo de 1872. Fue un gran pintor de la vanguardia de su país, perteneció a De Stijl y fundó el neoplasticismo, acompañado de Theo Van Doesburg. Se desarrolló empezando en el naturalismo y el simbolismo hasta llegar a la abstracción, de donde salieron sus más grandes obras, siendo uno de sus inauguradores junto a Kandinski y Malévich. (Ver artículo: Cultura de Holanda)

La mayoría de las obras de Mondrian estuvieron profundamente ligadas a su aprendizaje espiritual y a la filosofía. Desde 1908, empezó a interesarse por el movimiento teosófico creado por Helena Petrovna Blavatky finalizando el siglo XIX.

Blavatsky tenía la creencia de que se podía alcanzar un conocimiento más íntimo de la naturaleza, sentía que había algo más alla de lo que se muestra por el medio empírico y gran parte de los trabajos de Mondrian se inspiraron en buscar ese aparente conocimiento más profundo de la naturaleza. En una celebra frase del artista determina que “solo cuando estemos en lo real absoluto, el arte no será ya más necesario”.

Gracias a su dedicación al arte abstracto geométrico, Mondrian buscaba encontrar las bases del universo, la famosa “retícula cósmica” que en su arte intentaba plasmar con el no-color blanco, que se entiende como la representación de todos los colores, junto con una trama de líneas de no-color negro, refiriéndose a la representación de ningún color, y en esta trama se realizaban planos geométricos, que por lo general eran triángulos, con los colores primarios, que se consideran por Mondrian como los colores elementales del universo.

De esta manera, evitando los aspectos sensoriales del a textura y la superficie, además de eliminar las curvas, y todo lo que se considere formal. Expuso que a su manera de ver el arte no debería ser figurativo, no debería aplicarse la copia de elementos que parecen de la realidad, sino que el arte debería ser una especie de indagación de lo absoluto que subyace detrás de la realidad fenoménica. Un caso curioso de su vida es que realizó una extraña prohibición del color verde en su hogar.

Su intención principal es la búsqueda de un arte puro, alejado de la particularidad, y hace referencia a que el propósito no debería ser creación de nuevas formas o colores particulares rigiéndose por sus limitantes, sino que se debería trabajar con la intención de abolirlos para crear una unidad más grande. Su pensamiento radical es tan grande que se fue de De Stijl, al momento que Van Doesburg quiso buscar variaciones a sus estructuras que se inclinaban a los rectángulos desde 1924.

Pintores

En el arte abstracto hubieron grandes artistas que cautivaron al mundo con sus pinturas, además de los ya mencionados, también se encuentran algunos otros que se destacaron en esta área, entre ellos se encuentran los siguientes

Jackson Pollock

Jackson Pollock nació en estados unidos el 28 de enero de 1912, y su arte se caracteriza por realizar piezas con pintura por goteo, esta técnica consiste en no aplicar cuidadosamente los trazos, sino en el goteo de pinturas sobre el lienzo. Pollock se considera el máximo exponente en la técnica del goteo, que lo llevo a ser conocido como “Jack the Dripper” por la reconocida revista TIME. Además hizo popular el termino pintura de acción, que se refiere al método de que la acción de pintar es solo una característica esencial en la pieza acabada.

Entre sus piezas más reconocidas se encuentra Blue Poles, ubicada hoy en día en la National Gallery of Australia desde el año de 1973, quien pago bastante dinero por esa obra, que hasta ocupó el record mundial por una pintura norteamericana contemporánea, convirtiéndose en la pintura con mayor valor monetario en todo el mundo. Pollock no se considera únicamente por ser un gran artista del expresionismo abstracto, sino por ser una de las más importantes personajes del arte del siglo XX. (Ver artículo: Cultura, costumbres y tradiciones de Estados Unidos)

Georgia O’ Keeffe

Georgia O’ Keeffe fue un famoso artista del arte abstracto, nacido en los Estados Unidos el 15 de noviembre de 1887. Es conocido por ser la figura más importante del Modernismo Americano que desafía las limitaciones el estilo artístico con sus obras, en las que enlaza la abstracción con la representación.

El Modernismo Americano se define como un movimiento del arte y también cultural, que se elevó en su máxima expresión durante la época comprendida entre las Guerras Mundiales. Se particularidad de alejarse deliberativamente de lo tradicional y utiliza formas innovadoras de expresión.

Entre sus obras más destacadas se encuentran sus piezas de grandes y sensuales flores en primer plano, que fueron principalmente convertidas en obras abstractas. Keeffe no es únicamente la mujer más reconocida dentro del arte abstracto, sino además es uno de los personajes que más incluyeron en el arte del siglo XX. Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en el año de 1977.

Pinturas famosas

Existes muchas piezas abstractas que pueden ser mundialmente famosas, destacadas por atraer de gran manera a sus espectadores, creando un amplio interés hacia e arte abstracto. Algunas pinturas abstractas son las siguientes:

Composición VII

Composición VII fue creada por Vasili Kandinsky en el año de 1913, y se considera su mejor pieza en los ámbitos de tamaño, cantidad de trabajo preparado, lo complejo de sus temas, su esencia subjetiva y la entidad pictórica objetiva. Llamándose así la obra maestra de Kandinsky. No es un secreto para nadie que es el punto con que concluyen sus logros artísticos en su época en la ciudad de Múnich.

Naranja, Rojo, Amarillo

La pieza Naranja, Rojo, Amarillo fue creado por el artista norteamericano Mark Rothko en el año de 1961, fue vendida por un valor de 86,8 millones de dólares, en la ciudad de New York, en la subasta de arte contemporáneo y posguerra, que se organizó gracias a la Casa Christie’s en las que también se encontraban expuestas algunas obras de Yves Klein y Jackson Pollock.

Se considera que esta obra es la personificación del arte de Rothko, en el que se puede apreciar una experiencia de donde surge lo trascendental. La directora encargada de esta subasta, Laura Paulson, expresa que la belleza y valor de esta pieza causron gran interés en sus espectadores.

Otras obras famosas

Existen gran cantidad de piezas reconocidas por su belleza y significado en el arte abstracto, no solo en el campo de la pintura, sino también en el campo de la escultura y otras formas de arte. A continuación se describen algunas:

El elogio al horizonte

El elogio del Horizonte se puede apreciar como una escultura del artista Eduardo Chillida, elaborada en el año de 1989 y que hoy en día se expone en el Cerro de Santa Catalina, en Gijon.

Se define como un hormigón de forma geométrica y abstracta, que posee una forma circular y horizontal pero sin concluir su cierre, aguantada por un par de pilotes curvados, y uno de esos pilotes no es de forma recta sino de forma conclave. Su forma quiere referirse a la tierra y al universo, además que su nombre le da más fuerza a esta premisa. Quiere mostrar el punto de vista supuestamente recto pero en realidad es curvo como todo el mundo conoce.

También puede ser apreciada en esta pieza la simbolización de la unión entre cielo y tierra, que se puede percibir mediante la visión del horizonte por medio de la obra. Además le permite a su público tomar conciencia de lo que significa el ser humano frente al cosmos.

Yunque de sueños XIII

Luego de elaborar varias piezas inspiradas en la escultura arcaica griega, el artista Eduardo Chillida desarrollo su arte hacia la abstracción, convirtiendo el hierro forjado como una innovación en torno a la tradición de Europa, rompiendo cualquier tipo de acercamiento a la mimesis de la naturaleza y se aplica un componente emocional e íntimo. En su obra, el Yunque de sueños XIII, intenta destacar el trabajo ancestral del hierro, que fue incluido de manera intuitiva.

Esta pieza corresponde a una serie de trabajos que el artista realizo a mediados de la década de 1960, en la que unía la madera del pedestal con el hierro ubicados de maneras punzantes. Gracias a la madera que le da un toque de material perecedero, para contrastar un aspecto volátil sobre el hierro, y de esta forma la pieza representa una figura poética aproximada a una metáfora para practicar las maneras de aprehender y limitar el espacio.

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