El arte contemporáneo engloba a todas las artes provenientes del siglo XX, las cuales cada una que pasaron por el proceso de un gran cambio de ideología, modificando así las teorías, técnicas de trabajo, imágenes y símbolos que se utilizaban en el ámbito artístico procedente del pasado.
Historia del arte contemporáneo
El arte contemporáneo es conocido universalmente por generar una de las mayores rupturas dentro de la historia del arte, ya que este nuevo movimiento artístico se deseaba desprenderse de las antiguas características de las manifestaciones artísticas provenientes de los siglos pasados, haciendo dejar claro que cualquier individuo puede comenzar a plasmar arte sin la necesidad de guiarse por características expuestas por los grandes artistas plásticos.
La historia del arte contemporáneo se puede dividir en tres etapas distintas, teniendo como punto de referencia en común la Segunda Guerra Mundial ya que este fue el evento que marcó a todos los individuos que se encontraban conviviendo en el transcurso del siglo XX, modificando así, sus pensamientos y por lo tanto generando nuevos instrumentos de trabajo. (Ver: Artesanías de Guatemala)
Los inicios de la historia del arte contemporáneo comienzan durante la finalización del siglo XIX y el principio del nuevo siglo XX. Dentro del continente europeo se podía notar una grave situación provocada por una inestabilidad social entre los habitantes del continente, esto fue causado por distintos choques de ideologías religiosas diferentes y por otra parte por las dictaduras existentes en el continente europeo.
La consecuencia principal que generó estas inestabilidades fue el nacimiento de la Primera Guerra Mundial, afectando gravemente al desarrollo del arte de la época y por lo tanto se crearon diversas corrientes etiquetadas como ismos los cuales eran parte de la estructura de los ejemplos del arte del siglo. A pesar de esto, existen relaciones dentro de las corrientes del continente europeo.
Por lo tanto, se llega a la conclusión de que el significado del arte contemporáneo dentro de la historia de la cultura de la humanidad llega a ser un despegue con los rasgos de el pasado y la elaboración de nuevas ideas para incluir en el arte.
El arte de la vanguardia no posee un orden cronológico como lo obtuvieron las corrientes de las artes, fue hasta la fecha de la Segunda Guerra Mundial en el que surgieron las primeras vanguardias tanto como históricas como artísticas y al finalizar esta guerra aparecen la segunda fase de la vanguardia junto al postmodernismo.
Cabe destacar que las raíces provenientes del arte contemporáneo se comenzaron a observar durante la finalización del siglo XIX. Los tipos de artes contemporáneos más conocidos fueron el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y por último el surrealismo, como coincidencia, estas poseen diversas características comunes que las unen y las nombraremos más adelante.
Características del arte contemporáneo
El arte contemporáneo no solo hace énfasis en el arte que se elabora durante esta época, por otra parte se le denomina como arte contemporáneo a las obras de creación no vista durante el pasado.
Cabe destacar que la característica más fundamental existente en el arte contemporáneo es que esta no posee la presencia de alguna narrativa para sus obras ya que los artistas del arte contemporáneo no se rigen por una dirección en especial, es decir, no influyen de alguna manera en el movimiento artístico.
Por otra parte, actualmente los artistas poseen una gran libertad para realizar arte por la razón de que a diferencia del arte de los siglos pasados, estos necesitaban cumplir con ciertas características para poder ser catalogada como parte del arte, mientras que en la actualidad no existe alguna de esas normas, es decir, los artistas tienen la autonomía de tomar cualquier objeto y poder convertirlo en arte.
Apartando que el arte contemporáneo no posee una presencia de alguna narrativa para fortalecer la obra, durante la elaboración del arte contemporáneo nos encontramos con diversas características tal como lo son que el tomar el arte del pasado puede otorgarle a la obra un nuevo mensaje que transmitir hacia los espectadores.
Los museos ahora no son los únicos lugares donde se pueda presentar el arte reconocido de la época, ahora se puede exhibir las obras en cualquier lugar que se desee, sin la necesidad de acudir hacia alguna galería.
Dentro del desarrollo y expansión del arte contemporáneo nos encontramos con que nace la técnica del collage, con el fin de poder reorganizar las ideas dentro de una obra proveniente del arte contemporáneo.
Con el nacimiento y gran desarrollo de la tecnología durante los finales del siglo XX y principios del siglo siguiente, este se ve vinculado con el arte para crear nuevas formas y estilos de arte contemporáneo, tal como lo es el origen del cine, el cual se encarga de realizar diversas tomas por segundos para crear el efecto de un movimiento, sea de algún objeto o de algún personaje.
Con el desarrollo del arte contemporáneo se eliminan las fronteras entre las artes, es decir, las artes ya no se encuentran individualizadas, ahora todas poseen al menos una característica en común que las une en una sola línea.
Asimismo, los expertos en artes han encontrado con la característica de que los artistas del arte contemporáneo utilizan a las obras de artes proveniente de los siglos pasados para analizarlas y poder conseguir inspiración. (Ver: Comida típica de Belice)
Tipos de arte contemporáneo
Arte contemporáneo moderno
Dentro de este tipo de arte nos encontramos con grandes maestros de la historia universal del arte, tal como lo fue Van Gogh y Manet, los cuales eran etiquetados como los grandes influenciadores de la década del año 1880. Estos dos conocidos artistas le otorgaron un gran cambio drástico al estilo de expresar las obras de arte. Cabe destacar que hicieron énfasis en la presentación de la subjetiva de los individuos en una vez de hacer hincapié en la corriente del realismo, tal como sucedía antes de que aparecieran Manet y Van Gogh.
El arte contemporáneo moderno posee una clase única de arte ya que transmite mediante sus obras un mundo interior y por otra parte el exterior del cuerpo del humano. Este estilo se encargó de hacer énfasis en el surrealismo apartando así a la ideología de la religión o de la sociedad.
Arte contemporáneo abstracto
El arte abstracto es un tipo de la estructura que conforma al arte contemporáneo, este estilo artístico sugiere un nuevo pensamiento sobre una realidad distinta comparada con la que observamos rutinariamente. El arte abstracto utiliza una forma visual conformada por diversos colores distribuidos en líneas con diferentes sentidos con el fin de obtener un arreglo de elementos e ingredientes provenientes del arte.
Cabe destacar que el arte abstracto no solo ocupaba el área de la pintura del arte contemporáneo, este también se podía observar practicado dentro de la música, otorgando un sinfín de composiciones melódicas compuestas por pequeños sonidos abstractos y por lo tanto, se hacía relación con el arte. 
Arte contemporáneo cubismo
El estilo del cubismo fue originado entre los años de 1907 y 1914 con los maestros artísticos de Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, entre otros grandes pintores de la época.
Cabe destacar que esta técnica pintoresca es la que toma el inicio hacia el origen de las otras obras experimentales e innovadoras para la época provenientes del continente europeo durante los principios del siglo XX, por otra parte, el cubismo no es catalogado como un ismo, más bien se le hace referencia como una fractura dentro de la estructura de la pintura clásica.
El crítico francés Louis Vauxcelles le bautizó el nombre de cubismo ya que este estilo de arte contemporáneo estaba compuesto por pequeños cubos que pronto se relacionarían entre sí con la finalidad de poder crear una majestuosa obra de arte para la época e historia.
Pablo Picasso en el arte contemporáneo realiza el aporte de que mientras este finaliza su obra denominada como Las Señoritas de Avigno, esta misma se convierta en la primera pintura exponente para el impulso del cubismo durante el nacimiento de esta corriente artística. (Ver: Moais de la Isla de Pascua)
Arte contemporáneo pop art
Traducido al español como arte popular o también como arte pop, es aquella manifestación artística que hacía énfasis en tomar imágenes del mundo de la farándula para poder convertirla en arte mediante la pintura contemporánea.
Esta expresión artística fue una de las más conocidas y resaltantes dentro de la historia universal del arte, ya que se observaban grandes obras populares como lo fue la galería de imágenes sobre la cantante, compositora y actriz estadounidense Madonna.
Por otra parte, el pop art mantuvo una estrecha relación con la creación de los cómics, ya que la expresión artística que se utilizaba, el manejo de colores y el uso de las curvas dentro de sus figuras plasmadas fueron manejadas para crear grandes obras, tal como lo fue Flash durante el año 1963 por el historiador Román Gubern.
Arte contemporáneo fauvismo
El movimiento artístico de fauvismo también es conocido como el fovismo, el cual se originó en el continente europeo, haciendo énfasis en Francia, durante los años de 1904 y 1908. Con el pasar del tiempo este se fue expandiendo hacia los países vecinos.
Este estilo de arte es caracterizado por el gran uso de diversos colores vivos, con base en los colores de amarillo, azul y rojo, mientras que los otros colores serán el resultado de una mezcla entre los colores bases.
Arte contemporáneo surrealismo
La técnica del surrealismo nace durante el año 1924 dentro del territorio de Francia y por lo tanto este fue presentado como manifiesto surrealista. Este movimiento artístico se origina desde la falta de intervención, en otras palabras, una característica fundamental de este estilo es que la mente del espectador no se esfuerce tanto en recibir el mensaje que se transmite el autor.
Dentro del estilo surrealista se desea emitir mediante figuras imprecisas y con grandes significados diversas representaciones provenientes de la realidad del mundo de los sueños del individuo humano.
Arte contemporáneo romanticismo
El romanticismo es una corriente cultural la cual fue adaptada hacia el ámbito de la pintura durante los inicios del siglo XIX y por lo tanto, esta manifestación artística nació en los países de Alemania y Reino Unido. (Lo invito a conocer sobre la música tradicional de Alemania en el siguiente artículo)
La historia del romanticismo se divide en tres grandes etapas, siendo la primera el Prerromanticismo abarcando los años desde 1770 hasta 1820, arrancando así con la expresión artística llamada Rococó. Las primeras pinturas provenientes del estilo del romanticismo se pueden apreciar que utilizan por otra parte rasgos del Rococó.
Seguido a esto, nos encontramos con la segunda etapa de la pintura del romanticismo, la cual cabe destacar que durante este período, la manifestación artística llegó a su apogeo, es decir, hacia su mayor perfección y expansión dentro del continente europeo. Durante esta segunda etapa del romanticismo nos encontramos con nuevos cambios y el tema principal para la pintura pasó a ser la historia moderna.
Y por último, nos encontramos con la etapa del posromanticismo, al cual ocupa los años desde 1850 hasta 1870, período en el cual se observa que la corriente del romanticismo comienza a quedar en el pasado, siendo reemplazado por el manierismo. Los artistas principales de esta época nos encontramos con el español Eugenio Lucas Velázquez y el suizo Antonie Wiertz.
Arte contemporáneo expresionismo
El estilo artístico del expresionismo se basa en transmitir los sentimientos y emociones desde parte del autor hacia el espectador. Mediante este tipo de arte contemporáneo nos encontramos con que se desea exponer el lado pesimista de la historia de la humanidad, generado por las grandes guerras y destrucciones hechas por el individuo.
El arte del expresionismo nació en Alemania durante los comienzos del siglo XX el cual no solo se basaba en expresiones pintorescas, por otra parte se encontraba el expresionismo dentro de las otras áreas culturales, tal como lo es la música hasta la danza, pasando por el teatro y finalizando con la literatura.
La pintura del expresionismo fue expuesta por dos grandes grupos artísticos, tal como lo fue Die Brucke, el cual fue fundado en Dresde, la capital del estado de Sajonia, localizado en Alemania y por otra parte, el otro grupo de artistas expresionistas fue Der Blaue Reiter, agrupación que nació en Múnich durante el año 1911. (Ver: Máscaras del carnaval de Barranquilla)
Arte contemporáneo hiperrealismo
El hiperrealismo otra de las ramas de la pintura del arte contemporáneo, el cual, como lo dicta su nombre, se basa en esculpir pinturas con los detalles más realistas posibles, por lo tanto, algunos artistas de la época le encuentran similitud con la fotografía, cuyo objetivo se basa en la técnica de obtener imágenes y poderlas capturarlas. Este estilo artístico nació en los Estados Unidos y en cierta parte de Europa, durante la finalización de la década de los 60.
El estilo artístico contemporáneo hiperrealista hace énfasis en esculpir objetos mediante la pintura o escultura con diversas características para otorgarle el toque de la realidad, tanto como en la iluminación, el color y la forma del objeto que se desea pintar.
Pintura del arte contemporáneo
La pintura en el arte contemporáneo se enmarca a la referencia de la edad contemporánea en la historia universal del mundo, es decir, es un periodo que comienza a partir del año 1789, coincidiendo con el origen de la Revolución Francesa y la independencia de Estados Unidos, junto a todos los avances y tendencias que se han desarrollado en el mundo hasta la actualidad.
Por lo tanto, la pintura contemporánea se trata de manifestaciones artísticas marcadas por las corrientes más recientes en la histografia del arte, muchas personas relacionan a esta pintura sólo con el arte del siglo XX, aunque estas corrientes abarcan más tiempo en la historia del arte.
Historia de la pintura del arte contemporáneo
En sus inicios para el siglo XIX la pintura contemporánea destacaba por el autor Francisco de Goya, durante su trayectoria artística fue conocido como el mejor de la corriente en cuanto a la pintura de interiores Rococó, una tendencia que nació en el continente europeo, siendo más específicos en Francia, esta corriente tenía como objetivo principal desarrollar obras de pinturas con una variedad de colores pasteles con el fin de darle vida a todo el arte individualista.
Francisco de Goya también fue conocido como un destacado pintor de la técnica del corte, esto se refiere a los artistas con trabajo encargado por la nobleza. En este momento, la pintura en el arte contemporáneo ha venido tomado de la mano con los trabajos de este artista, estas obras serán recordadas dentro de la historia del arte, tal como es el caso del 2 de mayo y el 3 de mayo, pinturas emblemáticas en los inicios del arte contemporáneo.
Posteriormente conforme fueron pasando los años, el arte contemporáneo y la pintura tomaba características más definidas, dichas particulares están relacionadas a las corrientes del neoclasicismo (corriente artística que ocupó las áreas de la arquitectura, escultura y pintura, se encargaba de recuperar los rasgos del arte grecorromano, por lo tanto, este deseaba plasmar la sencillez, la belleza de las obras y la perfecta simetría) y la corriente que se veía en la obligación de cumplir con ciertas características impuestas para la elaboración del arte, la cual posee el nombre de academicismo.
Es necesario tomar en cuenta el contexto histórico para poder mencionar estas corrientes, las cuales lograron figurarse durante los inicios del arte contemporáneo. Los artistas de esta época eran espectadores de momentos históricos importantes que marcarían la humanidad, tal como lo fue la Revolución Francesa, este momento indudablemente influyó en su manera a la elaboración del arte y los mensajes que transmitirían cada una de sus obras. (Ver: Patrimonio cultura de El Salvador)
A su vez, otras de las corrientes que se abren paso dentro de la historia en el arte contemporáneo se trata del romanticismo, es decir la pintura romántica era tendencia ya que también se juntaba con el neoclasicismo, otorgando como resultado final que estas corrientes se mezclaran para dar paso a las características más relevantes en el arte y la pintura contemporánea.
Unos de los aportes más importantes del romanticismo para la pintura en el arte contemporáneo se trató de un nuevo concepto de belleza, puesto que lo sublime había tomado otras decisiones y se marcaba en los lienzos que aparecían para esta época.
Manteniendo los principios del romanticismo la naturaleza no dejaba de ser parte importante en cada una de las obras artísticas, los autores más destacados que practicaban estas características se trata de Turner, pintor inglés que la naturaleza figuraba como su principal musa al momento de plasmar paisajes. Y así como también Caspar David Friedrich, ambos pintores hacían del paisaje el principal escenario en sus obras.
Además de la naturaleza, otras de las tendencias encontradas en la pintura en los inicios del arte contemporáneo se trataba de los acontecimientos heroicos, ligados a su vez alto del contexto histórico que se presencia a para el momento.
A través de todo este contexto es a partir de los comienzos del siglo XIX cuando nace el realismo como una las principales características del arte contemporáneo, la pintura realista había obtenido una mayor aceptación por los artistas hasta ser etiquetada como la pintura independiente.
Si el romanticismo plasmaba temas heroicos, el realismo comenzaba a plasmar temas cotidianos más acercado a la realidad, uno de sus principales exponentes fue Gustave Courbet, este pintor francés implantó los principios del realismo en el arte contemporáneo, todo esto en busca de una libertad artística, fomentando lo que ya sería conocida como las corrientes independientes, las cuales se salían de los parámetros impuestos por las tendencias del momento y hacían lugar a obras únicas con sus propias características auténticas, que más que llevar el nombre de una tendencia se hacían valer por el nombre del autor.
A todo este movimiento se agregaron más artistas para darle una mayor validez al realismo como parte de la pintura en el arte contemporáneo. (Ver: Juegos tradicionales del Ecuador)
Conforme pasaban las décadas se pudieron presentar nuevas tendencias que cumplía con la misma forma de definir el arte contemporáneo, es así cómo se implementó el impresionismo y por lo tanto, este era posterior al realismo, esta nueva tendencia hacia uso de diversas técnicas al momento de elaborar las obras de arte, se valía de la luz y el color para disponer todos los elementos en el lienzo y recrear pinturas maravillosas alucinantes para la retina de cualquier espectador.
El impresionismo nació a su vez a partir de lo que serían una ruptura en cuanto a un marco estilístico que había sido parte de toda la historia proveniente de la pintura en el arte, pero que como parte del arte contemporáneo ya dejaba de ser una característica esencial, puesto que todo esto se encontraba enmarcado en obras de autores independientes.
Ya para este momento, los autores de las principales pinturas estaban en toda la libertad de aplicar sus propias técnicas para dar lugar a unas obras auténticas, dejando a un lado todos los parámetros establecidos por las tendencias del momento, puesto que el impresionismo hacía espacio para un naturalismo extremo, para la realidad, e incluso para más sencillas en cuanto a la pintura, en esta tendencia se permitía el uso de los colores puros, y hasta las imperfecciones comenzaban a ser parte de los detalles más valorados en las pinturas.
Bajo las tendencias del impresionismo llega entonces una ruptura hacia todos los parámetros, conocido también como el post impresionismo, para este momento de la historia en la pintura del arte contemporáneo los artistas habían roto relación con todas las características impuestas por las tendencias, en este caso la pintura obtenía un mayor valor por las sensaciones que despertaba en el espectador, las técnicas y el perfeccionismo dejaba un espacio para darle más valor al realismo y a la intención de la pintura.
Los principales exponentes de esta tendencia hacían de los escenarios cotidianos la principal musa para generar obras de artes que conectarán esencialmente con el espectador, y así la pintura transmita un emotivo mensaje para el público y pueda ser disfrutado.
La pintura del arte contemporáneo, basada en el principio de expresar y de comunicar más que en las técnicas aplicadas para la elaboración del arte, abre paso a la tendencia del modernismo, los artistas marcados en esta época de la historia hacían énfasis en que los elementos que se encontraban dentro de la obra que podrían despertar expresiones y emociones en los espectadores. Se hacía énfasis en la pureza de las líneas, el dibujo una mayor expresividad debido a este estilo de hacer pintura.
Ya para el comienzo del siglo XX, los autores de las principales obras del arte contemporáneo no se basaban en las tendencias o en las corrientes artísticas del momento sino que más bien en que el arte se podría clasificar entonces en vanguardias históricas, con características cada vez más definidas.
Los pintores contemporáneos más recientes desarrollaron en sus obras de arte de acuerdo a sus propias características, es por esta razón que las pinturas correspondientes al arte contemporáneo pueden resultar muy distintas aunque marcadas bajo el mismo contexto histórico, luego de haber alcanzado un independencia como artista, los pintores se disponían de establecer sus propios elementos, bajo sus propias técnicas. (Ver: Comida típica de Argentina)
Escultura en el arte contemporáneo
Como sucede en las otras expresiones que tienen lugar como parte del arte contemporáneo, no se puede precisar un período específico en el cual se desarrolla todas estas obras, ya que el arte contemporáneo suele crear confusión de acuerdo a lo que se está refiriendo. La escultura contemporánea no escapa de dichas confusiones y al momento de establecer ciertas características hay que tener en cuenta estos aspectos para determinar de qué se está hablando cuando se intenta referirse a la escultura en el arte contemporáneo.
Ya que podría tratarse de toda la escultura y la evolución que ha tenido en la edad contemporánea, es decir desde la revolución francesa y la independencia de Estados Unidos hasta la actualidad, pero también podría tratarse de la escultura y las características que obtuvo luego de la Segunda Guerra Mundial en el año 1945, así como también la cultura como parte del arte contemporáneo puede referirse sólo a la escultura moderna, haciendo referencia a las obras más recientes.
Historia de la escultura en el arte contemporáneo
A principios del siglo XIX, las técnicas y las tendencias que enmarcaba cada una de las obras escultóricas que corresponden a los inicios del arte contemporáneo se trata de la escultura neoclásica, entre las características generales de esta tendencia en cuanto los trabajos escultóricos se podría hablar de un cuidado hacia el equilibrio de cada una de las piezas, por otro lado las expresiones se abordaron de una manera cuidadosa, es por esta razón que a diferencia de otras tendencias anteriores la escultura en este caso mostraba características menos dramática y más sobria.
Para la elaboración de las esculturas que tuvieron lugar en el arte contemporáneo de esta época, se encuentran trabajos bajo las características del bronce y el mármol blanco, todo esto se consolidaba con los principios de mantener un orden y un equilibrio en las piezas, el propósito no podría faltar en cada una de las expresiones de este arte.
Es importante tener en cuenta además que estas características tienen una relación importante con el contexto histórico de la época, mantener una sobriedad en los elementos expuestos y en las expresiones de la escultura en el arte contemporáneo nace del rompimiento con los dogmas religiosos. Además, todo esto se encontraba basado en un contexto donde la tendencia se trataba del conocimiento y la comunidad académica.
Así como en la pintura, en las expresiones artísticas de los trabajos escultóricos también se presencian importantes épocas donde las características estaban relacionadas con la corriente del realismo. Para la escultura, el realismo representó un movimiento que nació en Francia en el transcurso del siglo XIX. (Si desea seguir aprendiendo sobre este país, lo invito a informarse sobre las costumbres y tradiciones de Francia)
Dicho movimiento traía consigo características de la realidad impuesta en cada una de las obras, conllevando así a una evolución en las técnicas aplicadas para la escultura.
Es importante tener en cuenta además que el realismo en la escultura no mostraba tantas características similares al realismo en presente en las expresiones de las pinturas, esto se debe que para ese momento de la historia la escultura no se trataba de un arte tan comercializado como la pintura, la escultura en si se trataba de encargos de las clases más altas dentro de la sociedad y por tanto debía cumplir con ciertas características peculiares de acuerdo a esos pedidos.
Es por esta razón que en esta expresión artística no se presenta tanta libertad como sucedía en la pintura realista del arte contemporáneo.
Conforme iban evolucionando las técnicas y se presentaban nuevas tendencias, otro movimiento artístico que marcó la 
escultura en este arte se trató del modernismo. En este momento de la historia la escultura hacía un mayor énfasis hacia la figura femenina, las mujeres representaban los principales musas de todas las obras escultóricas. Así como fueron evolucionando las técnicas se implementaron también la utilización de otro tipo de materiales e incluso combinar distintas texturas en una misma obra.
Ya para el siglo XX la escultura pasa a ser el resultado de lo mejor de las corrientes conservadoras conjugadas con las tendencias más innovadoras del momento. Se puede mencionar entonces el expresionismo dentro de la escultura, este movimiento que venía dado por características muy definidas en cuanto cada autor. Es decir que los principales exponentes se dejaron llevar por sus propias técnicas y tendencias, recreando esculturas únicas que hablaban por sus autores y no por los parámetros establecidos en el momento.
A todo esto, dentro de la escultura como parte del arte contemporáneo se puede precisar la influencia y el aporte del arte abstracto que se abre paso como una expresión artística que propone dinamismo y una nueva forma de expresar la realidad distinta a lo que se conocía anteriormente. Conjuga elementos para crear sensaciones en todo un lenguaje visual, las composiciones son realmente independientes y por lo tanto tiene sus propias características en cuanto a color, forma y estilismo. (Ver: Trajes típicos de Bolivia)
Arquitectura del arte contemporáneo
El objetivo principal que hizo resurgir a la arquitectura del arte contemporáneo era el de poder reemplazar con total éxito las estructuras provenientes de los estilos arquitectónicos de los siglos pasados. Este nuevo estilo de arquitectura trajo consigo misma nuevas características que pronto vendrían siendo actualizadas hasta los rasgos que observamos en la actualidad.
Todo comienza con los nuevos cambios que produjeron la revolución industrial y la revolución francesa dentro de la ideología de la sociedad del siglo XX. Con esta revolución se observan nuevos ingredientes de producción para las estructuras de los edificios modernos, aparecen los materiales hierro, hormigón y el acero.
Una de las características principales que se observa con el surgimiento del arte moderno es que se comienzan a elaborar diversos pisos dentro de las edificaciones con fines industriales hasta los rascacielos. Dentro de los arquitectos más importantes para este movimiento nos encontramos con Le Corbusier y Walter Adolph Georg Gropius, ambos nacidos en el continente europeo.
La arquitectura moderna trajo consigo uno de los más importantes pasos dentro de toda la historia de la arquitectura en el mundo, ya que las obras más importantes a nivel mundial se desarrollaron bajo las corrientes de la arquitectura moderna a partir del siglo XX.
Entre los principales cambios que propuso la arquitectura moderna se encuentra eliminar el exceso de ornamento para darle un acabado más perfeccionado y pulido a las obras, lo clásico había sido sustituido por lo moderno. Las distintas técnicas en la arquitectura se vieron influenciados por los nuevos conceptos en cuanto a la estética, y a las nuevas referencias que se tenían al respecto.
Incluso las corrientes que tuvieron su importante influencia en otras expresiones artísticas como la pintura y la escultura, tenían grandes exponentes en la arquitectura, como por ejemplo el cubismo, el futurismo, y el expresionismo.
A su vez se implementaron nuevas técnicas gracias a los avances tecnológicos, los materiales utilizados hasta el momento para las obras arquitectónicas habían recobrado mejores usos, todas estas innovaciones de la mano de las tendencias en cuanto al arte y a la estética dieron como resultado un gran avance a lo que sería las obras arquitectónicas para el disfrute humano.
En muchas expresiones artísticas se denota un contexto que apostaba más hacia la innovación dejando atrás los parámetros establecidos para elaborar una obra artística, por su parte el artista valoraba la libertad y las expresiones clásicas fueron cada vez más sustituidas por las innovaciones en el arte, incluso en arquitectura esto se veía plasmado al momento de buscar nuevas alternativas para dar como resultados obras arquitectónicas pioneras en todo el siglo XX.
Todo esto fue posible debido a las escuelas de arquitectura moderna que impulsaron lo anteriormente expuesto, una de ellas entre las más destacadas se trató de la escuela de arte de Glasgow, la educación se basaba en el rechazo hacia las artes que habían quedado en las épocas pasadas, para desarrollar innovadoras ideas al momento de recrear las edificaciones.
Hay que tener en cuenta además que estas nuevas ideas fueron respaldadas a su vez con los nuevos materiales que se implementaron debido a los avances industriales, por Como por ejemplo el hormigón armado, el acero laminado y el vidrio plano fueron las principales fuentes de inspiración para recrear una diversidad de obras arquitectónicas que rompía con los parámetros del pasado.
La principal diferencia está arquitectura, con lo que se conocía anteriormente era el desapego a la ornamentación en exceso, y las tendencias hacia los espacios interiores con abundante iluminación. (Ver: Bailes típicos de Holanda)
Estilos de la arquitectura moderna
Gracias a la libertad que proponía la arquitectura moderna, al momento de realizar las obras arquitectónicas se desarrollaron XX una variedad de estilos y corrientes que promovieron las principales tendencias.
Art decó
Este es uno de los estilos más populares a comienzos del siglo XX. Este estilo se inspira en las corrientes y las influencias del cubismo y el futurismo para desarrollar expresiones auténticas a nivel del diseño de interiores, e incluso en el diseño industrial
Se presenta una tendencia hacia las líneas aerodinámicas, que va de la mano con los principales avances tecnológicos. En este estilo se utilizó el aluminio y el acero inoxidable, para hacer elementos auténticos combinados también con madera o piel y fibras animales.
A diferencia de otras tendencias de la época el Art decó se diferenció por su finalidad únicamente decorativa, no estaba relacionado a temas políticos o ideológicos, en un contexto relevante en la historia universal del mundo. Es así como el Art decó se desarrolló como un estilo auténtico que no tenía grandes similitudes a otros, ya que daba como resultado obras arquitectónicas elegantes y modernistas, sin perder la característica de funcionales.
Este estilo se aplicó mayormente en Nueva York, y luego de varias décadas llegó a muchos rincones del mundo en países como Francia, España, Inglaterra, Argentina, Uruguay, Nueva Zelanda, India, China e Indonesia. (Conozca sobre la cultura de Indonesia mediante el siguiente artículo)
Arquitectura orgánica
Entre otros de los estilos arquitectónicos que obtuvieron mayor auge durante la época de la arquitectura contemporánea se trata de la arquitectura orgánica que también fue conocida como organismo arquitectónico.
El principio en esta corriente se trata y la armonía entre el hábitat y la convivencia humana con el medio ambiente natural, es por esta razón que mediante el diseño y el arte arquitectónico se busca crear un vínculo o una relación entre el ser humano y la naturaleza para mejorar su integración, es decir que las piezas arquitectónicas son elaboradas en función a integrarse con el medio ambiente y mejorar la convivencia entre los humanos y la naturaleza.
En este estilo se presentan grandes influencias del funcionalismo ya que se empieza a desarrollar a partir de la década de los 30, principalmente en Estados Unidos.
Entre las bases de este estilo arquitectónico se impone lo funcional o lo útil ante lo únicamente decorativo, lo que aporta ideas innovadoras dentro de la arquitectura de la época.
Es por esta razón que este estilo se puede describir como una tendencia quién se inspira en la naturaleza, para buscar las técnicas y aplicar las obras arquitectónicas de una manera flexible y adaptable con el entorno natural. A su vez mantiene las principales funciones de la arquitectura como es satisfacer las principales necesidades del ser humano dentro de su hábitat.
Funcionalismo arquitectónico
Otro de los estilos aplicados dentro de la arquitectura como parte del arte contemporáneo se trató de funcionalismo aplicado dentro de la arquitectura. Este estilo aportaba ideas innovadoras en cuanto al concepto que se tenía de arquitectura, sugiriendo que las edificaciones debían cumplir con una función dentro de la sociedad.
Este estilo causó grandes influencias en la arquitectura que se desarrolló para la época en países como Alemania, Checoslovaquia, y Países Bajos.
Del funcionalismo arquitectónico se inspiraban en la frase de la forma sigue siempre a la función, para recrear y exponer que los elementos que conforman cualquier edificación se encuentran basados en la función del mismo. Por ejemplo una acertada selección del tamaño, la masa, el espacio de un edificio deben ser estudiadas de acuerdo a la función que se le vaya a determinar al mismo.
Para el contexto histórico a principios del siglo XX esto se trataba de ideas innovadoras ya que rompía con los parámetros clásicos de la ornamentación innecesaria. Denotaba también un nuevo concepto de estética arquitectónica, la cual iba de la mano necesariamente a la función de las edificaciones.
Aunque las ideas relacionadas al funcionalismo a lo largo de la historia desarrollaron polémicas al creer que sólo se trataba de una manera banal de recrear edificaciones, sin tomar en cuenta aspectos decorativos que en algunos casos pueden resultar importantes para la sociedad. Se asumía también que se trataba de una manera más comercial de realizar edificios, puesto que la carencia de ornamento simplificada los gastos canto a la construcción. Sin embargo en el funcionalismo aportó grandes ideas para la arquitectura en el arte contemporáneo. (Ver: Juegos tradicionales de Venezuela)
Collage en el arte contemporáneo
En la historia de todas las expresiones artísticas, nos encontramos con que tuvieron lugar dentro de lo que se compone como arte contemporáneo se pueden describir como nuevas innovaciones. Al momento de concebir el arte en todas sus expresiones, muchas de las características del arte contemporáneo se pueden resumir a una sola palabra y es la innovación.
Con el arte contemporáneo se rompieron todos los esquemas impuestos, los artistas se encontraban en la total libertad de realizar sus propias composiciones, donde la expresión y el mensaje que se transmitirá será la única ley al momento de elaborar cualquier elemento artístico. Más allá de técnicas y la búsqueda de la perfección en las distintas obras del arte contemporáneo sería entonces la manera más pura de expresión que permite utilizar y por lo tanto, sacar el provecho de una variedad de tendencias, mezclando aspectos innovadores con los elementos más clásicos del arte en cualquiera de sus expresiones.
Es por lo que el collage dentro del arte contemporáneo supone ser una de las expresiones más innovadoras, se podría decir que es una técnica que partió como el resultado de los nuevos experimentos en cuanto al arte, en un escenario donde todo es posible y donde el artista tiene total libertad de expresar sus intenciones de la manera que sea.
El collage se podría definir entonces como una expresión artística, que nace en el arte contemporáneo y se trata de mezclar ideas, elementos o imágenes, con la finalidad de obtener una expresión artística totalmente auténtica. Un collage se encuentra compuesto por múltiples referencias de lenguajes gráficos, donde no existen parámetros establecidos o normativas.
Esta expresión artística como se llama el senado anteriormente en hace en el arte contemporáneo, pero específicamente con artistas de la corriente del cubismo, y por los principales exponentes del pop art., se podría decir entonces que los vanguardistas del arte moderno son los principales propagadores del collage en el mundo.
Desde sus inicios no ha hecho otra cosa que aumentar su popularidad como una expresión artística, incluso aplicada en distintas disciplinas. Las técnicas aplicadas para el collage pueden ser aprovechadas en el arte de cualquier tipo. Ofreciendo posibilidades innovadoras para los diseñadores gráficos.
Aunque es una expresión artística muy popular en la actualidad, hay que entender que esta técnica va más allá de recortar y pegar imágenes para obtener una nueva composición, por su parte el collage como expresión artística debe verse como un escenario donde admite distintas realidades, se contrastan distintos elementos que compartirían un mismo plano.
Es decir que él por medio del lenguaje gráfico el artista que quiera elaborar una pieza de collage toma en cuenta una composición ya realizada a la cual le aplicará cierta intervención, dicha intervención puede venir dado por otros elementos, y otros materiales que se conjugan con el lenguaje gráfico ya expuesto, y es así como por medio de estas técnicas nace una nueva composición auténtica, el resultado de combinar algo que ya existía para crear algo totalmente nuevo.
Gracias a la amplia gama de oportunidades que va de la mano con el collage, esta expresión artística se ha posicionado como una de las más relevantes dentro del arte contemporáneo, en la búsqueda de la libertad los artistas optan por estas técnicas, que de la misma forma tienen mucho que expresar de acuerdo a sus intenciones.
Obras del arte contemporáneo
Existe una gran variedad de obras creadas por grandes artistas durante la etapa del arte contemporánea, siendo las más conocidas e importantes para la historia universal del arte:
Encabezando la lista nos encontramos con la obra pintoresca bautizada como Marilyn Monroe de oro, o simplemente Marilyn Monroe, plasmada por el artista plástico y cineasta estadounidense Andy Warhol durante el año 1964. Con respecto al estilo de la pintura nos topamos con que es pop art mientras que la técnica utilizada es la serigrafía sobre el lienzo.
Seguido a esto, mencionamos a La Persistencia de la Memoria, la cual fue pintada durante la fecha de 1931 por el artista Salvador Dalí, utilizando la técnica al óleo, por lo tanto, esta obra es catalogada como arte surrealista. Para finalizar, la obra posee las dimensiones de 24,1 x 33 centímetros.
Como otra obra importante para el arte contemporáneo nos encontramos con Le Fils de I’Homme, cuya traducción al español sería El hijo del Hombre. Es una obra ilustrada durante el año 1964 bajo el autor René Magritte, siendo este un pintor surrealista, por lo tanto, la obra es catalogada como surrealista. La técnica que se manejó es el clásico método del óleo sobre lienzo. Con respecto al tamaño de la pintura, esta posee unos 116 centímetros x 89.
Por otra parte, nombramos a la obra pintoresca cuyo nombre es El Beso, hecha por el pintor Gustav Klimt durante el año 1907 y 1908 en Austria. Como características principales nos encontramos con que es una pintura cuya técnica es el óleo y se pueden observar el uso de laminillas de oro junto a estaño, todo esto colocado por encima de un lienzo, el cual posee el tamaño de 180 x 180 centímetros exactos.
Como una de las obras más importantes y destacadas de toda la época del arte contemporáneo mencionamos a La noche estrellada, ilustrada por el conocido pintor Vicent van Gogh durante el año 1889. La técnica que utilizó este maestro de la pintura del arte contemporáneo fue la del óleo sobre lienzo, con respecto al estilo de la obra, se etiqueta como postimpresionismo. Posee las dimensiones de 73,7 cm x 92,2 centímetros y actualmente se encuentre en exhibición en el museo de arte moderno de Nueva York, Estados Unidos.
Y para finalizar esta lista, nos encontramos con El grito, pintada por Edvard Munch, cuya nacionalidad era noruega y plasmó esta obra durante el año 1893. Como técnica y estilo que posee esta famosa obra mencionamos con que es óleo, temple y pastel con base de cartón y pertenece al expresionismo. Sus medidas son 91 cm x 74 cm y actualmente se encuentra expuesta en la Galería Nacional de Oslo, siendo más específicos dentro de Noruega. (Ver: Patrimonio de la humanidad en México)
Danza del arte contemporáneo
La danza contemporánea es catalogada como un efecto a las danzas de la antigüedad, con la características principal de poder liberarse y expresar con el cuerpo diversos sentimientos y emociones, haciendo similitud al ballet clásico. Este tipo de baile desea transmitir un ideal mediante un bailarín y diversos movimientos dramáticos entre uno o un grupo de danzantes. Cabe destacar que dentro de esta danza nos encontramos con movimientos del cuerpo asociados con los del siglo XX y el siglo XXI.
El nacimiento de esta danza comienza durante el fin del siglo XIX. Se originó con el fin de encontrar alguna opción para reemplazar el ballet clásico, ya que este poseía diversas características que lo catalogaban como una danza estricta. Durante los inicios de este baile aparecieron diversos individuos bailando sin el uso de algún calzado, llevando a cabo diversos movimiento corporales con saltos poco tradicionales.
Al pasar los años esta danza fue evolucionando, generando así diversos pasos de bailes para introducirla en este baile y poder alcanzar su majestuosidad mediante los sentimientos emitidos por los movimientos corporales realizados. Dentro de esta danza se encontraba el manejo de otras técnicas de gestos del cuerpo, tal como lo es el flamenco, danzas tribales y por otra parte movimientos de la yoga.
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial poseía el nombre de danza moderna, hasta que se llegó al final de la década de los años 1940, el cual el nombre fue reemplazado como danza contemporáneo y hasta el día de hoy se sigue nombrando así a este baile tradicional.
Esta danza posee como característica principal el diverso manejo de imágenes y videos en el fondo del teatro con el fin de acompañar al grupo de danzantes y poder conseguir la atención por parte de los espectadores.
Mónica Jiménez Delgado
Necesito referencia bibliográfica