El Arte Barroco italiano (o Barocco) es un período estilístico de la historia y el arte italianos que abarcó desde finales del siglo XVI hasta principios del siglo XVIII El comienzo del siglo XVII marcó un momento de cambio para aquellos de la religión católica romana, una simbolización de su fuerza como congregación y la inteligencia de sus mentes creativas
Historia y Origen del Arte Barroco
En respuesta a la Reforma Protestante de principios del siglo XVI, los católicos se embarcaron en un programa de restauración, una nueva forma de vida que se conoció como la Contra reforma El objetivo de la Contra reforma era remediar algunos de los abusos cuestionados por los protestantes a principios de siglo (ver artículo: Guaraníes).
Dentro de la iglesia, se impuso una cultura católica renovada en la sociedad italiana. Comenzó con el Concilio de Trento, impuesto por el Papa Pablo III, una comisión de cardenales que se unieron para tratar asuntos de la Iglesia Católica y recuperar la fe entre los fieles. Esto resultó en pautas establecidas por la Iglesia para el trabajo de encargo de artistas para comunicar verdades bíblicas e ideales.
El Arte Barroco surgió durante el período comprendido entre 1600 y 1700. Los trabajos iniciales del movimiento comenzaron en Italia, pero pasaron a verse en Francia, Alemania, España y los Países Bajos. Durante este tiempo, los artistas fueron alentados por la Iglesia Católica a exhibir características de religión más fuertes en sus pinturas.
Características del Arte Barroco
Normalmente hay un origen de iluminación, conocido como tenebrismo, en el Arte Barroco. La iluminación y la oscuridad contrastantes, como en las sombras, dan dramatismo al arte. Ambos tienen un efecto en las emociones y la intensidad de la pieza (ver artículo: Cultura de Bélgica).
Una ilustración de este concepto es “Judith and Maidservant with Head of Holofernes” de Artemisia Gentileschi. En la pieza, Judith salva a su pueblo con un banquete para intoxicar y luego decapitar al General Holofernes.
Realismo y Naturalismo
El realismo es un aspecto importante del arte barroco. Rubens abrazó la realidad en su arte. En “San Jorge y el dragón”, San Jorge es musculoso con una armadura que aparece como lo hacía en la vida cotidiana. Su caballo es representado como combativo y fuerte.
El naturalismo también se vio en el arte barroco a través del uso de detalles normales únicos en la vida diaria. Caravaggio acciono esta idea en su trabajo al exhibir áreas del lugar como tabernas y obreros. plantea al observador en la ilustración colocando cosas como parte de la primera observación y del espacio central.
Las expresiones faciales resaltan los estados de ánimo o las emociones de los sujetos. Los artistas a veces se ponen en la pintura como parte de las sombras. Por ejemplo, Diego Velázquez se ve en la izquierda de su pintura “Las Meninas”.
Líneas
Las líneas ayudan a observar el movimiento y a menudo se exhiben en partes barrocas. El acortamiento de las alas – al restar el largo de las líneas en el dibujo para dar una ilusión de extensión en el espacio – contribuye a la sensación de movimiento (ver artículo: Costumbres y tradiciones de Portugal).
Ya sea asimétrica, perpendicular u horizontal, esta técnica puede confundir al ojo y darle espacio a la pieza. Los trabajos siguen una forma de “S” en la composición. Por ejemplo, en “La conversión de San Pablo” de Caravaggio, las líneas diagonales muestran el drama. Las líneas también pasan por la difusión en el arte barroco con figuras curvas y capas horizontales.
Tiempo
Varios famosos pintores que aplicaban el estilo del Arte conocían el tiempo y lo usaban para transmitir la fuerza de la naturaleza y también cómo el tiempo era parte del proceso de la vida. Se incluyó a un hombre mayor que simbolizaba el tiempo en una gran cantidad de piezas para pintar y hacer entender que el tiempo llega para todos.
El posicionamiento de las personas en cada trabajo da la sensación de que el tiempo avanza y retrocede.
Arte Barroco Religioso
El patrocinio de la Iglesia Católica Romana fue fundamental para el estilo barroco. Promovido por generaciones de papas, cardenales, sacerdotes, misioneros, fieles y mecenas, el estilo se extendió a los cuatro rincones del globo (ver artículo: Cultura de Dinamarca).
Las imágenes sagradas estaban en todas partes, en las esquinas y plazas, en santuarios y estatuas públicas, y se llevaban en procesión. Aunque el estilo barroco estaba fuertemente asociado con el poder y la autoridad de la Iglesia Católica, también habría sido familiar para muchos protestantes.
El barroco empleó la pintura, la escultura, la arquitectura y las artes aplicadas en conjunto con otras artes como la música y la poesía. El objetivo era apelar a todos los sentidos. Buscando un efecto combinado e integrado, estas obras de arte totales intentaron afectar no solo los corazones y las mentes de los espectadores, sino también tocar sus propias almas.
Maza ceremonial de plata dorada y plata, por Giovanni Giardini, Roma, Italia, 1691-6. Museo no. 646-1906
Maza ceremonial de plata dorada y plata, por Giovanni Giardini, Roma, Italia, 1691-6. Museo no. 646-1906
El arte religioso barroco fue diseñado para moverse, impresionar y agradar. Los objetos sagrados eran a la vez funcionales y ornamentales: la amplia gama de imágenes pictóricas y decorativas podía centrarse en temas teológicos complejos o lo mundano y lo familiar.
Trajeron mejora espiritual a los devotos y consuelo a los creyentes en cada etapa de la vida. Todos trajeron honor a quienes los comisionaron y a quienes los crearon.
La expresión más influyente de la teoría barroca de la obra de arte total se puede encontrar en la obra de Gianlorenzo Bernini (1598-1680). En la capilla de Cornaro y en su cartera de diseños para San Pedro, Bernini unió escultura, pintura y arquitectura.
Al crear obras de arte, Bernini usó modelos de bocetos de terracota para explorar lo que llamó el ‘concetto’: su visión del impacto total del trabajo se mantuvo en su mente a lo largo de cada etapa del proceso creativo.
Espacio y ritual
Lo secular y lo religioso no eran mutuamente excluyentes. Los viajeros a los países católicos observaron la animada interacción social de la congregación que presenciaba la misa solemne. En medio de esta bulliciosa vida social, el arte religioso tenía que competir por la atención.
La actuación fue tan prominente en los espacios sagrados de las capillas e iglesias como lo fue en los teatros. Las procesiones religiosas, los servicios de la iglesia y otros rituales fueron diseñados para mantener la cohesión social y ofrecer una ruta hacia la salvación personal
La capacidad del estilo barroco para comunicarse de manera efectiva e inmediata con audiencias de todo tipo y en una variedad de situaciones, la convirtió en una poderosa herramienta en la organización del ritual sagrado.
Roma y el Papa
Modelo de boceto de terracota para el monumento al Papa Alejandro VII, por Gianlorenzo Bernini, Roma, Italia, alrededor de 1669-70. Museo no. A.17-1932
Modelo de boceto de terracota para el monumento al Papa Alejandro VII, por Gianlorenzo Bernini, Roma, Italia, alrededor de 1669-70. Museo no. A.17-1932
La Roma barroca no sólo era la sede de la iglesia católica, también era una corte principesca, una burocracia gubernamental, un centro para el patrimonio cultural y el aprendizaje, un foco para peregrinos y turistas, y un sitio arqueológico.
Los papas eran señores seculares y obispos de Roma. Al igual que los príncipes, utilizaron su mecenazgo para ejercer el poder, dentro del Vaticano y más allá. Gastaron grandes sumas en proyectos de construcción, comisiones de arte y el establecimiento de sus colecciones (ver artículo: Cultura de Malta).
Los papas y sus familias rivalizaban entre sí para asegurar lugares de enterramiento prestigiosos en las iglesias romanas más importantes y erigir espléndidos monumentos funerarios. Algunos papas establecen tendencias artísticas al favorecer a artistas particulares, medios artísticos y temas.
El más favorecido de todos los artistas papas fue Bernini, quien trabajó para una sucesión de papas por más de cincuenta años. Alejandro VII (1655-67) fue uno de los patronos más importantes de Bernini. El diseño de su tumba era mostrar al Papa arrodillado mientras las alegorías proclaman el triunfo del Tiempo sobre la vida y la verdad sobre el tiempo.
Mobiliario
En la iglesia de Arte Barroco, el observador entró en un mundo densamente poblado de imágenes y ornamentos. Cada parte de la iglesia tenía funciones, utensilios y muebles específicos, e incluso los artículos más útiles se decoraban en consecuencia.
El bronce se empleó para barandillas, rejas e iluminación, plata para los objetos ceremoniales utilizados durante la misa. Se usó madera tallada y decorada para sentarse y enmarcar. La pintura y el dorado estaban en todas las superficies, y los textiles bordados se usaban como colgaduras, vestimentas y cubiertas
También había esculturas de todo tipo: madera, piedra, metal, barro y yeso, colocadas en y alrededor de altares e incluso en el suelo. Cualquier superficie plana disponible fue pintada.
La Virgen de los Dolores, pino pintado con marfil y vidrio, de José de Mora, Granada, España, hacia 1670-80. Museo no. 1284-1871La Virgen de los Dolores, pino pintado con marfil y vidrio, de José de Mora, Granada, España, hacia 1670-80. Museo no. 1284-1871
Los bustos de la Dolorosa Virgen a menudo se colocaban en las capillas laterales de las iglesias como un foco de devoción privada, tal vez junto a un busto similar de Cristo mostrando sus heridas. La angustia resignada de la expresión de la Virgen en la escultura de Moro, y la talla de su velo y rizos (hechos de virutas de madera retorcidas) son particularmente hábiles y afectivos.
El altar y la misa
Fue una actuación convincente y multi sensorial que combina música, incienso, recipientes rituales espléndidamente decorados, pan y vino. Llevado a cabo en conmemoración del sacrificio de Cristo, la mesa de sacrificio o altar era central para el ritual
El altar fue el escenario de la dramática recreación de la misa y también la estación para distribuir el anfitrión a los comulgantes.
El anfitrión era fundamental para el ritual de la misa. Esta era una oblea pequeña y plana que simbolizaba el pan de la Última Cena y se transformaba milagrosamente en el cuerpo real de Cristo. La congregación en su mayoría fue testigo de este ritual desde lejos.
Esto significaba que los sacerdotes que oficiaban tenían que usar gestos dramáticos, y los artistas y diseñadores de la iglesia tenían que emplear fuertes efectos visuales. El anfitrión fue exhibido a los fieles en el compartimento acristalado de una custodia, ya sea durante la Misa por el sacerdote oficiante o en solemne procesión.
Devoción privada
La devoción religiosa no sólo tuvo lugar en la iglesia. Los protestantes leen la Biblia en casa, y los cristianos de todas las denominaciones fueron alentados a participar en la mejora espiritual y la renovación. Esto implicó conjuntos de ejercicios devocionales a realizarse a todas horas y en todas las situaciones.
Algunos de estos rituales se llevaron a cabo colectivamente, pero muchos se llevaron a cabo en privado. Los fieles abrirían sus almas a Dios por medio de la oración, o por medio de intercesores como los santos o la Santísima Virgen María. Sus devociones fueron facilitadas por imágenes y otras obras de arte que van desde simples cruces de madera que cuelgan en las paredes
Iglesias del Arte Barroco
La construcción barroca es el estilo de construcción de la era barroca, que inicio en Italia a fines del siglo 16, que tomó el vocabulario romano de la construcción renacentista y lo utilizó en una nueva forma retórica y teatral, a menudo para demostrar el logro de la Iglesia Católica.
Se caracterizó por nuevas exploraciones de la forma, la luz y la sombra, y la intensidad dramática. Las características comunes de la arquitectura barroca incluyen gigantismo de proporciones; un gran espacio central abierto donde todos podían ver el altar; columnas retorcidas, efectos teatrales, incluida la luz procedente de una cúpula de arriba; dramáticos efectos interiores creados con bronce y dorado; grupos de ángeles esculpidos y otras figuras en lo alto; y un uso extenso de trompe-l’oeil, también llamado “cuadratura”, con detalles arquitectónicos pintados y figuras en las paredes y el techo, para aumentar el efecto dramático y teatral.
Mientras que el Renacimiento se basó en la riqueza y el poder de las cortes italianas y era una mezcla de fuerzas seculares y religiosas, el barroco estuvo, inicialmente al menos, directamente relacionado con la Contra reforma, un movimiento dentro de la Iglesia Católica para reformarse en respuesta a la nueva forma protestante.
La construcción de Arte Barroco y sus adornos fueron por un lado más accesibles a las emociones y, por otro lado, una declaración visible de la riqueza y el poder de la Iglesia Católica. El nuevo estilo se manifestó en particular en el contexto de las nuevas órdenes religiosas, como las Te atinas y los Jesuitas, que buscaban mejorar la piedad popular.
Una síntesis de la arquitectura de Bernini, Borromini y Cortona se puede ver en la arquitectura del Barroco tardío del norte de Europa, lo que allanó el camino para el estilo rococó más decorativo.
A mediados del siglo XVII, el estilo barroco había encontrado su expresión secular en forma de grandes palacios, primero en Francia, con el Château de Maisons (1642) cerca de París, de François Mansart, y luego en toda Europa (ver artículo: Cultura de Luxemburgo).
Durante el siglo XVII, la arquitectura barroca se extendió por Europa y América Latina, donde fue especialmente promovida por los jesuitas
Roma y el sur de Italia
Varios edificios eclesiásticos del período barroco en Roma tenían planes basados en el paradigma italiano de la basílica con una cúpula y nave cruzadas, pero el tratamiento de la arquitectura era muy diferente de lo que se había llevado a cabo anteriormente.
Una de las primeras estructuras romanas para romper con las convenciones manieristas ejemplificadas en el Gesù, fue la iglesia de Santa Susanna, diseñada por Carlo Moderno. El ritmo dinámico de columnas y pilastras, la concentración central y la protrusión y la decoración central condensada añaden complejidad a la estructura. Hay un juego incipiente con las reglas del diseño clásico, pero aún mantiene el rigor
Probablemente el ejemplo más conocido de tal enfoque sea la Plaza de San Pedro, que ha sido elogiada como un golpe maestro del teatro barroco. La piazza, diseñada por Gian Lorenzo Bernini, está formada principalmente por dos columnas de columnas independientes centradas en un obelisco egipcio.
El diseño favorito de Bernini era su iglesia ovalada de Sant’Andrea al Quirinale decorada con mármoles de policromía y una cúpula de oro adornada. Su arquitectura secular incluyó el Palazzo Barberini basado en los planes de El rival de Bernini, el arquitecto Francesco Borromini, produjo diseños que se desviaron dramáticamente de las composiciones regulares del mundo antiguo y el Renacimiento.
Varios edificios eclesiásticos del período barroco en Roma tenían planes basados en el paradigma italiano de la basílica con una cúpula y nave cruzadas, pero el tratamiento de la arquitectura era muy diferente de lo que se había llevado a cabo anteriormente (ver artículo: Cultura de Islandia).
Una de las primeras estructuras romanas para romper con las convenciones manieristas ejemplificadas en el Gesù, fue la iglesia de Santa Susanna, diseñada por Carlo Maderno. El ritmo dinámico de columnas y pilastras, la concentración central y la protrusión y la decoración central condensada añaden complejidad a la estructura. Hay un juego incipiente con las reglas del diseño clásico, pero aún mantiene el rigor.
Malta
Reconstrucción del arco de Wignacourt, una de las primeras estructuras barrocas en Malta
El estilo barroco se introdujo en Malta a principios del siglo XVII, posiblemente por el arquitecto e ingeniero boloñés Bontadino de Bontadini, que fue responsable de la construcción del acueducto de Wignacourt entre 1612 y 1615. Las primeras estructuras barrocas en Malta fueron los elementos decorativos dentro del acueducto, como el Arco de Wignacourt y varias fuentes
El altar del alto Arte Barroco de la Con catedral de San Juan
La arquitectura barroca se hizo popular después de que Francesco Bounamici diseñó la Iglesia de los Jesuitas en La Valeta en 1635
España
A medida que las influencias barrocas italianas penetraban a través de los Pirineos, poco a poco fueron reemplazando en popularidad el enfoque restringido y clasicista de Juan de Herrera, que había estado en boga desde fines del siglo XVI.
Ya en 1667, las fachadas de la Catedral de Granada (por Alonso Cano) y la Catedral de Jaén (por Eufrasio López de Rojas) sugieren la fluidez de los artistas en la interpretación de los motivos tradicionales de la arquitectura de la catedral española en el lenguaje estético del Barroco.
La exhibición de Arte Barroco más impresionante de decoración espacial churrigueresca se puede encontrar en la fachada oeste de la Catedral de Santiago de Compostela).
En contraste con el arte del norte de Europa, el arte español de la época apelaba a las emociones en lugar de buscar complacer al intelecto (ver artículo: Cultura de Monaco).
La familia Churriguera, que se especializó en el diseño de altares y retablos, se rebeló contra la sobriedad del clasicismo herreriano y promovió un estilo de decoración de superficie intrincado, exagerado, casi caprichoso, conocido como el churrigueresco. En medio siglo, transformaron a Salamanca en una ciudad churrigueresca ejemplar
Portugal y el Imperio Portugués
El interior de la iglesia de São Roque en Lisboa, Portugal, ilustra la rica arquitectura barroca en sus capillas, incluida la capilla de San Juan Bautista, adornada en oro, la más cara del mundo.
Iglesia de San Francisco de Assis, en la ciudad histórica de Ouro Preto, Brasil.
A pesar de la prodigalidad de la decoración de superficie sensualmente rica asociada con la arquitectura barroca de la Península Ibérica, las cortes reales de Madrid y Lisboa generalmente favorecieron un vocabulario arquitectónico más sobrio destilado de la Italia del siglo XVII (ver artículo: Cultura de Irlanda).
Los palacios reales de Madrid, La Granja, Aranjuez y Mafra fueron diseñados por arquitectos bajo la fuerte influencia de Bernini y Juvarra. En el ámbito de la arquitectura de la iglesia, el diseño de Guarini para Santa Maria della Divina Providenza en Lisboa fue un paso adelante para la audacia estructural en la región (aunque nunca se construyó).
Reino de Hungría
En el Reino de Hungría, el primer gran edificio barroco fue la Iglesia Jesuita de Trnava (hoy en Eslovaquia) construida por Pietro Spozzo en 1629-37, modelando la Iglesia del Gesu en Roma. Los jesuitas fueron los principales propagadores del nuevo estilo con sus iglesias en Győr (1634-1641), Košice (1671-1684), Eger (1731-1733) y Székesfehérvár (1745-1751). La reconstrucción de los territorios devastados por el Imperio Otomano se llevó a cabo en estilo barroco en el siglo XVIII.
Los paisajes urbanos intactos del Barroco se pueden encontrar en Győr, Székesfehérvár, Eger, Veszprém, Esztergom y el Distrito del Castillo de Buda. Los palacios barrocos más importantes de Hungría fueron el Palacio Real en Buda, el Palacio Grassalkovich en Gödöllő y el Palacio Esterházy en Fertőd
Pequeños edificios barrocos de la aristocracia húngara se encuentran dispersos por todo el país. El barroco húngaro muestra la doble influencia de las tendencias artísticas austríacas e italianas, ya que muchos arquitectos alemanes e italianos trabajaron en el país.
Las principales características de la versión local del estilo eran la modestia, la falta de decoración excesiva y cierto sabor “rural”, especialmente en las obras de los maestros locales. Importantes arquitectos del Barroco húngaro fueron Andreas Mayerhoffer, Ignác Oraschek y Márton Wittwer.
Franz Anton Pilgram también trabajó en el Reino de Hungría, por ejemplo en el gran monasterio premostratense de Jasov (hoy en Eslovaquia). En las últimas décadas del siglo XVIII, las tendencias neoclásicas se volvieron dominantes. Los dos arquitectos más importantes de ese período fueron Melchior Hefele y Jakab Fellner.
Rumania
Catedral de San Jorge (construida entre 1736 y 1774) Algunas estructuras representativas del Barroco en Rumania son el Palacio Bánffy en Cluj, el Palacio Brukenthal en Sibiu y el Palacio del Obispado en Oradea. Además, casi todas las ciudades de Transilvania tienen al menos una iglesia barroca, la mayoría de los cuales son la Catedral de San Jorge de Timisoara, la Iglesia de San Juan Bautista de Târgu Mureş, la Catedral de la Santísima Trinidad de la Iglesia escolapia
Francia
El centro de la arquitectura secular barroca fue Francia, donde el diseño abierto de tres alas del palacio se estableció como la solución canónica ya en el siglo XVI. Pero fue el Palais du Luxembourg de Salomon de Brosse lo que determinó la dirección sobria y clasicista que debía tomar la arquitectura barroca francesa.
Por primera vez, se destacó el cuerpo de logística como la parte principal representativa del edificio, mientras que las alas laterales se trataron como jerárquicamente inferiores y se redujeron de forma apropiada. La torre medieval ha sido completamente reemplazada por la proyección central en forma de una monumental entrada de tres pisos.
La fusión de De Brosse de los elementos tradicionales franceses (por ejemplo, altos tejados abuhardillados y una línea de techo compleja) con extensas citas italianas (por ejemplo, rusticación ubicua, derivada del Palazzo Pitti en Florencia) llegó a caracterizar el estilo Luis XIII.
Probablemente el formulador más consumado de la nueva manera fue François Mansart, un perfeccionista incansable al que se le atribuye la introducción del Barroco completo en Francia. En su diseño para Château de Maisons (1642), Mansart logró reconciliar enfoques académicos y barrocos, al tiempo que demostró respeto por las idiosincrasias góticas heredadas de la tradición francesa.
La capilla de Versalles vista desde la tribuna royale, un ejemplo destacado del barroco francés demuestra la transición actual de los castillos posmedievales del siglo XVI a las casas de campo tipo villa del siglo XVIII. La estructura es estrictamente simétrica, con un orden aplicado a cada piso, principalmente en forma de pilastra.
El frontispicio, coronado con un techo engrandecido por separado, está impregnado de una notable plasticidad y el conjunto se lee como un todo tridimensional. Las estructuras de Mansart están desprovistas de efectos decorativos exagerados, tan típicos de la Roma contemporánea. La influencia del Barroco italiano está silenciada y relegada al campo de la ornamentación decorativa.
El siguiente paso en el desarrollo de la arquitectura residencial europea implicó la integración de los jardines en la composición del palacio, como lo ejemplifica Vaux-le-Vicomte), donde el arquitecto Louis Le Vau, el diseñador Charles Le Brun y el jardinero André Le Nôtre se complementó el uno al otro. Desde la cornisa principal hasta un zócalo bajo, el palacio en miniatura está revestido con el llamado “orden colosal”, lo que hace que la estructura parezca más impresionante.
Los países bajos
Iglesia de San Miguel en Lovaina, Bélgica
La arquitectura barroca en el sur de los Países Bajos se desarrolló de forma bastante diferente a la del norte protestante. Después de la Tregua de los Doce Años, los Países Bajos del sur permanecieron en manos católicas, gobernadas por los Reyes Habsburgo españoles.
Proyectos arquitectónicos importantes fueron establecidos en el espíritu de la Contrarreforma. En ellos, los detalles decorativos floridos estaban más unidos a la estructura, lo que excluía las preocupaciones de lo superfluo. Una notable convergencia de la estética barroca española, francesa y holandesa se puede ver en la Abadía de Averbode (1667).
Otro ejemplo característico es la Iglesia de San Miguel en Lovaina, con su exuberante fachada de dos pisos, grupos de medias columnas y la compleja agregación de detalles escultóricos de inspiración francesa.
Seis décadas después, un arquitecto flamenco, Jaime Borty Milia, fue el primero en introducir el Rococó en España (Catedral de Murcia, fachada oeste, 1733). El más grande practicante del estilo rococó español fue un maestro nativo, Ventura Rodríguez, responsable del deslumbrante interior de la Basílica de Nuestra Señora del Pilar en Zaragoza (1750).
Algunos arquitectos flamencos como Wenceslas Cobergher se formaron en Italia y sus obras fueron inspiradas por arquitectos como Jacopo Barozzi da Vignola y Giacomo della Porta. El proyecto más importante de Cobergher fue la Basílica de Nuestra Señora de Scherpenheuvel que diseñó como el centro de una nueva ciudad en la forma de un heptágono.
Países Bajos del Norte
Ayuntamiento de Amsterdam hay menos Arte Barroco sobre las construcciones holandesa del siglo XVII. La construcción de la primera república en el norte de Europa estaba fijada a reflejar los valores democráticos al citar ampliamente de la era antigua normal. Al igual que los desarrollos contemporáneos en Inglaterra, el palladianismo holandés está marcado por la sobriedad y la moderación.
Las construcciones más ambiciosas de la época incluyen las sedes de autogobierno en Amsterdam (1646) y Maastricht (1658), diseñadas por Campen y Post, respectivamente. Por otro lado, las residencias de la Casa de Orange están más cerca de una típica mansión burguesa que de un palacio real.
Dos de estos, Huis ten Bosch y Mauritshuis, son bloques simétricos con grandes ventanas, despojados de ostentosos adornos y gestos barrocos. El mismo efecto austeramente geométrico se logra sin grandes costos o efectos pretenciosos en la residencia de verano del Stadholder en Het Loo.
La República holandesa fue una de las grandes potencias de la Europa del siglo XVII y su influencia en la arquitectura europea no fue insignificante.
Santo Imperio Romano
En el Sacro Imperio Romano Germánico, el período barroco comenzó algo más tarde. Aunque el arquitecto de Augsburgo Elias Holl (1573-1646) y algunos teóricos, incluido Joseph Furttenbach el Viejo ya practicaban el estilo barroco, no tuvieron sucesor debido a los estragos de la Guerra de los Treinta Años.
Desde aproximadamente 1650 en adelante, el trabajo de construcción se reanudó, y la arquitectura secular y eclesiástica fue de igual importancia. Durante una fase inicial, los maestros albañiles del sur de Suiza y el norte de Italia, los llamados magistri Grigioni y los maestros albañiles lombardos, en particular la familia Carlone de Val d’Intelvi, dominaron el campo.
Sin embargo, Austria pronto desarrolló su propio estilo barroco característico durante el último tercio del siglo XVII. Johann Bernhard Fischer von Erlach quedó impresionado por Bernini. Forjó un nuevo estilo imperial compilando motivos arquitectónicos de toda la historia, los más vistos en su iglesia de San Carlos Borromeo en Viena.
Johann Lucas von Hildebrandt también tuvo un entrenamiento italiano. Desarrolló un estilo altamente decorativo, particularmente en la arquitectura de fachadas, que ejerció fuertes influencias en el sur de Alemania.
Con frecuencia, el Barroco del sur de Alemania se distingue del Barroco del norte de Alemania, que es más propiamente la distinción entre el Barroco católico y el protestante. En el sur católico, la iglesia jesuita de San Miguel en Munich fue la primera en llevar el estilo italiano a través de los Alpes.
Sin embargo, su influencia en el desarrollo posterior de la arquitectura de la iglesia fue bastante limitada. La iglesia jesuita de Dillingen proporcionó un modelo mucho más práctico y adaptable de la arquitectura de la iglesia: la iglesia del pilar de la pared, una nave con bóveda de cañón acompañada de grandes capillas abiertas separadas por pilares de pared.
A diferencia de San Miguel en Munich, las capillas casi alcanzan la altura de la nave en la iglesia del pilar de la pared, y su bóveda (generalmente bóvedas de cañón transversales) brota del mismo nivel que la bóveda principal de la nave. Las capillas proporcionan una amplia iluminación; visto desde la entrada de la iglesia, los pilares de la pared forman un escenario teatral para los altares laterales. La iglesia del pilar de la pared fue desarrollada más adelante por la escuela de Vorarlberg, así como también por los maestros albañiles de Baviera.
Esta nueva iglesia también se integró bien con el modelo de iglesia de salón de la época gótica tardía alemana. La iglesia del pilar de la pared continuó utilizándose durante todo el siglo XVIII (por ejemplo, incluso en la iglesia neoclásica primitiva de la Abadía de Rot an der Rot), y las iglesias tempranas de pilares de la muralla pudieron restaurarse fácilmente mediante una nueva decoración sin ningún cambio estructural. como la iglesia en Dillingen.
Sin embargo, el sur católico también recibió influencias de otras fuentes, como el llamado Barroco radical de Bohemia. El radical Barroco de Christoph Dientzenhofer y su hijo Kilian Ignaz Dientzenhofer, ambos residentes en Praga, se inspiraron en ejemplos del norte de Italia, particularmente por las obras de Guarino Guarini.
Se caracteriza por la curvatura de las paredes y la intersección de los espacios ovales. Mientras que una cierta influencia bohemia es visible en el arquitecto más prominente de Baviera de la época, Johann Michael Fischer (los balcones curvos de algunas de sus primeras iglesias de pilares de pared), las obras de Balthasar Neumann, en particular la Basílica de la Vierzehnheiligen, son generalmente consideradas ser la síntesis final de las tradiciones bohemia y alemana.
La arquitectura protestante sagrada fue de menor importancia durante el Barroco, y produjo sólo algunas obras de gran importancia, particularmente la Frauenkirche en Dresde. La teoría arquitectónica era más animada en el norte que en el sur de Alemania, con la edición de Nikolaus Goldmann de Leonhard Christoph Sturm, pero las consideraciones teóricas de Sturm (por ejemplo, en la arquitectura de la iglesia protestante) nunca llegaron realmente a la aplicación práctica. En el sur, la teoría se reduce esencialmente al uso de edificios y elementos de libros ilustrados y grabados como prototipo.
La arquitectura del palacio era igualmente importante tanto en el sur católico como en el norte protestante. Después de una fase inicial en la que dominaron los arquitectos e influencias italianos (Viena, Rastatt), la influencia francesa prevaleció desde la segunda década del siglo XVIII en adelante. El modelo francés se caracteriza por el diseño en forma de herradura que encierra un patio de honor en el lado de la ciudad (castillo entre jardín y jardín), mientras que el esquema italiano (y también austríaco) presenta una villa en forma de bloque
Los principales logros de la arquitectura del palacio alemán, elaborados a menudo en estrecha colaboración de varios arquitectos, proporcionan una síntesis de los modelos austroitaliano y francés. El palacio más destacado que combina influencias austro-italianas y francesas en un completo (ver artículo: costumbres y tradiciones de Noruega).
Comunidad polaco-lituana
Iglesia de Corpus Christi en Nieśwież
La primera estructura barroca en la Mancomunidad polaco-lituana fue la construcción de la Iglesia Corpus Christi entre 1586 y 1593 en Nieśwież (actual Niasvizh, Bielorrusia). La iglesia también tiene la distinción de ser la primera basílica abovedada con una fachada barroca en la Mancomunidad y Oriente. Europa
Iglesia de los Santos Pedro y Pablo en Cracovi
En los años siguientes de principios del siglo XVII, la arquitectura barroca se extendió por la Commonwealth. Importantes iglesias barrocas construidas durante esta fase inicial del estilo incluyeron la Iglesia de los Santos Pedro y Pablo en Cracovia, la Capilla Vasa en la Catedral de Wawel (que era el barroco equivalente a la Capilla de Segismundo construida años antes en el estilo renacentista), y el Iglesia Visitationista en Cracovia.
La mayoría de estas tempranas iglesias barrocas siguieron un patrón de diseño establecido por la Iglesia del Gesù de Giacomo Barozzi da Vignola en Roma. Otras importantes iglesias y capillas barrocas erigidas a mediados del siglo XVII fueron la Capilla de San Casimiro en la Catedral de Vilnius. La iglesia de Casimir en Vilnius, el monasterio de Pažaislis en Kaunas, la iglesia dominicana y la iglesia de San Jorge en Lwów (actual Lviv, Ucrania).
Ejemplos de finales del siglo XVII incluyen la Iglesia Jesuita de Poznań, la Catedral de San Francisco Javier en Grodno, la Capilla Real de Gdańsk (que incorpora un estilo arquitectónico ecléctico basado en una mezcla de tradiciones constructivas polacas y holandesas) y el Santuario de Santa María.
en Masuria (construcción en estilo barroco tirolés) Entre los ejemplos notables de la arquitectura barroca residencial de este período figuran el castillo de Ujazdów, el palacio de Kazanowski (destruido), el palacio de Wilanów y el palacio de Krasiński en Varsovia.
Palacio de Wilanów en Varsovia
El monumental castillo Krzyżtopór (ruinas), construido en el estilo palazzo in fortezza entre 1627 y 1644, tenía varios patios rodeados de fortificaciones. Además, la fascinación del barroco tardío con la cultura y el arte de China se refleja en el palacio chino de la reina Masysieńka en Zolochiv.
Los palacios magnates del siglo XVIII representan el tipo característico de la residencia suburbana barroca construida entre cour et jardin (entre el patio de entrada y el jardín). Su arquitectura, una fusión del arte europeo con antiguas tradiciones de construcción de la Commonwealth, es visible en el Palacio Potocki en Radzyń Podlaski, el Palacio Raczyński en Rogalin y el Palacio Wiśniowiecki en Vyshnivets.
Palacio Ostrogski en Varsovia, diseñado por Tylman van Gameren
A fines del siglo XVII, el arquitecto más famoso de la Mancomunidad fue el holandés Tylman van Gameren, que a la edad de 28 años se estableció en Polonia (la Corona de la Commonwealth) y trabajó para la reina Marie Casimire y el rey Juan III. Sobieski.
Tylman dejó un legado permanente de edificios considerados gemas de la arquitectura barroca polaca, que incluyen, entre otros, el Palacio Ostrogski, el Palacio Otwock, el Palacio Branicki, la Iglesia St. Kazimierz y la Iglesia de Santa Ana.
Hacia el final del siglo, las influencias del barroco polaco cruzaron el río Dnieper en el cosaco Hetmanate, donde dio origen a un estilo particular de arquitectura, conocido como el barroco cosaco Además, un notable estilo de arquitectura barroca surgió en el siglo XVIII con el trabajo de Johann Christoph Glaubitz, que fue asignado para reconstruir la capital de Vilna, el Gran Ducado de Lituania. El estilo fue por lo tanto llamado Vilnian Baroque y Old Vilnius fue nombrada la “Ciudad del Barroco”.
Los edificios más notables de Glaubitz en Vilnius son la Iglesia de Santa Catalina comenzó en 1743, la Iglesia de la Ascensión comenzó en 1750, la Iglesia de San Juan, la puerta del monasterio y las torres de la Iglesia del Santo Trinidad. La magnífica y dinámica fachada barroca de la antigua iglesia gótica de San Juan se menciona entre sus mejores obras.
Muchos interiores de la iglesia incluyendo el de la Gran Sinagoga de Vilna fueron reconstruidos por Glaubitz así como la construcción del Ayuntamiento en 1769. Los edificios notables del Barroco de Vilna en otros lugares son la Catedral de Santa Sofía en Polotsk, Bielorrusia (reconstruida entre 1738 y 1765), Iglesia carmelita en Hlybokaye, Bielorrusia y la Iglesia de San Pedro y San Pablo en Berezovichi, Bielorrusia (construida en 1776 y 1960-1970).
Pintura del Arte Barroco
ravaggio. Capilla Contarelli, San Luigi La vocación de San Mateo (1599-1600), por Cadei Francesi, Roma. El rayo de luz, que entra en la imagen desde la ventana real, expresa en un abrir y cerrar de ojos la conversión de San Mateo, la bisagra sobre la que girará su destino, sin ángeles voladores, nubes que se separan u otros artefactos.
Rembrandt van Rijn, The Night Watch o The Militia Company del capitán Frans Banning Cocq, 1642, óleo sobre lienzo, 363 cm × 437 cm (143 in × 172 in), Rijksmuseum, Amsterdam. La pintura es un ejemplo clásico de arte barroco.
Orazio Gentileschi, David y Goliat
La pintura barroca es la pintura asociada al movimiento cultural barroco. El movimiento a menudo se identifica con el Absolutismo, la Contrarreforma y el Renacimiento Católico, pero la existencia de un importante arte y arquitectura barroca en estados no absolutistas y protestantes en toda Europa occidental subraya su gran popularidad.
La pintura barroca abarca una gran variedad de estilos, como la pintura más importante y principal durante el tiempo que inicia por los años de 1600 y sigue a lo largo del siglo XVII, y hasta comienzos del siglo XVIII se identifica hoy como pintura barroca.
En sus manifestaciones más típicas, el arte barroco se caracteriza por un gran dramatismo, un color intenso y profundo y sombras intensas de luz y oscuridad, pero el clasicismo de pintores barrocos franceses como Poussin y pintores de género holandeses como Vermeer también están cubiertos por el término, en menos en inglés.
A diferencia del arte del Renacimiento, que usualmente mostraba el momento previo a un evento, los artistas barrocos eligieron el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, trabajando en el Alto Renacimiento, muestra su David compuesto y aún antes de las batallas Goliat; El Barroco David de Bernini es atrapado en el acto de arrojar la piedra al gigante. El arte barroco pretendía evocar emoción y pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
el Arte Borraco a menudo demuestra escenas con efectos de iluminacion de claroscuro; esto se puede ver en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Anthony van Dyck desarrolló un estilo de retrato elegante pero imponente que fue muy influyente, especialmente en Inglaterra.
La prosperidad de la Holanda del siglo XVII dio lugar a una enorme producción de arte por parte de un gran número de pintores que en su mayoría eran altamente especializados y pintaron escenas de género, paisajes, naturalezas muertas, retratos o cuadros históricos. Los estándares técnicos eran muy altos, y la pintura holandesa de la Edad de Oro estableció un nuevo repertorio de temas que fue muy influyente hasta la llegada del Modernismo.
Arquitectura del Arte Barroco
El arte y la arquitectura barrocos, las artes visuales y el diseño y la construcción de edificios producidos durante la época en la historia del arte occidental que, en líneas generales, coincide con el siglo XVII.
Las primeras manifestaciones, que ocurrieron en Italia, datan de las últimas décadas del siglo XVI, mientras que en algunas regiones, especialmente en Alemania y la América del Sur colonial, ciertos logros culminantes del Barroco no ocurrieron hasta el siglo XVIII.
El trabajo que distingue el período barroco es estilísticamente complejo, incluso contradictorio. En general, sin embargo, el deseo de evocar estados emocionales apelando a los sentidos, a menudo de manera dramática, subyace a sus manifestaciones.
Algunas de las cualidades más frecuentemente asociadas con el Barroco son la grandeza, la riqueza sensorial, el drama, la vitalidad, el movimiento, la tensión, la exuberancia emocional y una tendencia a difuminar las distinciones entre las diversas artes.
Escultura del Arte Barroco
Al período barroco no le faltaron escultores, aunque pocos de ellos fueron sobresalientes, quizás solo Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), que fue aún más grande como escultor que como arquitecto.
Aquellos escultores que ocuparon el primer lugar en su ocupación fueron empleados con una intensidad sin precedentes, ya que a pesar de la importancia de la arquitectura barroca, la escultura fue la forma de arte cristiana más característica de la época barroca y sin duda la más difundida.
No solo tuvo éxito, a diferencia de la arquitectura y la pintura, en la creación de un lenguaje artístico muy común en toda Europa, sino que afectó la apariencia de casi todos los artefactos artísticos producidos durante ese período. En resumen, la primera característica reconocible de la escultura barroca es su omnipresencia.
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Obras del Arte Barroco
En general, la “pintura barroca” fue un reflejo de los profundos cambios políticos y culturales que emergían en toda Europa. La pintura barroca coincidió, en términos generales, con el siglo XVII, aunque en algunas áreas, especialmente en Alemania, algunos de sus logros no se produjeron hasta el siglo XVIII.
Aunque el término abarcó una variedad desconcertante de estilos, típicamente se caracterizaba por dos cosas: una sensación de grandeza (o riqueza sensual), más un contenido emocional manifiesto.
Fue a través de estos dos elementos que los pintores barrocos buscaron evocar estados emocionales en el espectador apelando a los sentidos, a menudo de manera dramática. ¿Por qué estaban apelando a los espectadores de esta manera? Porque la vida en el siglo XVII en Europa se había convertido repentinamente en una competencia entre dos fuerzas poderosas.
Literatura del Arte Borraco
El barroco en realidad expresó nuevos valores, que a menudo se resumen en el uso de la metáfora y la alegoría, ampliamente encontrados en la literatura barroca, y en la investigación de la maraviglia (maravilla, asombro, como en el marinismo), el uso de artificios.
Si Manierismo fue una primera violación con el Renacimiento, el Barroco era un idioma opuesto. El dolor psicológico del hombre -un tema disuelto después de las revoluciones copernicana y luterana en busca de anclajes sólidos, una prueba de un “poder humano final” – se encontraba tanto en el arte como en la arquitectura del período barroco.
Una parte relevante de las obras se hizo sobre temas religiosos, ya que la Iglesia Romana era el principal cliente.
Arte Barroco Rococo
El arte barroco llegó antes que el arte rococó, y para aquellos que no están muy familiarizados con estos géneros, con suerte, esto ayudará a diferenciar entre los dos. Ambos son exquisitos tipos de arte, y ambos son dignos de admiración. Por supuesto, esta es una mirada muy superficial a estos dos movimientos, pero hay una lista de recomendaciones para leer más al final de la publicación.
Arte Barroco Colonial
El nuevo Barroco español se refiere al arte barroco en el Virreinato de la Nueva España. Durante este período, los artistas de Nueva España experimentaron con enfoques creativos expresivos, contrastados y realistas, creando arte que se hizo muy popular en la Nueva sociedad española.
Entre las obras de arte notables se encuentran las esculturas policromas, que además de la habilidad técnica que exhiben, reflejan el Arte Barroco la expresividad y los contrastes de color característicos del Nuevo Barroco Español.
Dos estilos se pueden rastrear en la arquitectura de Nueva España: el Salomónico, desarrollado a partir de mediados del siglo XVII, y el Estípite que comenzó a principios del siglo XVIII.
Un modelo de la Catedral de Puebla representa la magnificencia arquitectónica de Nueva España. Un libro de coro y un clavicémbalo del siglo XVIII resaltan la importancia de la música para la sociedad colonial del período barroco en México.
Arte Barroco Musical
Derivado del barroco portugués, o “perla de forma extraña”, el término “barroco” ha sido ampliamente utilizado desde el siglo XIX para describir el período en la música artística de Europa occidental desde aproximadamente 1600 hasta 1750. Comparando algunas de las obras maestras más grandes de la historia de la música (ver artículo: Arte Romano).
La perla deforme puede parecernos extraña hoy en día, pero para el siglo XIX, los críticos que aplicaron el término, la música de Bach y la era de Handel sonaban excesivamente ornamentados y exagerados.
Desde hace mucho tiempo que ha perdido sus connotaciones derogatorias, “barroco” ahora es simplemente una opción conveniente para uno de los períodos más ricos y diversos de la historia de la música.
Arte Barroco en pintura musical
Ceramica del Arte Barroco
Nunca dejo de ser cautivado por la belleza intrínseca de la naturaleza. Su forma, textura y líneas elegantes han sido bien representadas en el arte de la cerámica desde el principio. En el arte kemético pre dinástico (Egipto antes de los faraones), las sacerdotisas con cabeza afro-solar a menudo se representaban en las barcas del Nilo.
Estas imágenes aparecen en numerosas vasijas de cerámica pintadas de ocre, y también aparecen en el arte rupestre y en los murales de una tumba. La olla de abajo muestra a un par de mujeres en un bote con plantas para dar sombra ya su izquierda hay una figura de sacerdotisa que realiza una invocación.
Arte Barroco en ceramica
Arte Barroco Japones
Aunque políticamente tumultuosos, los siglos XVI y XVII en Japón también estuvieron marcados por la vitalidad y la innovación en las artes visuales y literarias. Un aterrizaje casual de unos pocos marineros portugueses en la costa sur de Japón en 1543 fomentó la participación de la nación en el floreciente comercio mundial de textiles, porcelanas, lacas y otros lujos.
Esta exposición enfocada incluye importantes préstamos junto con obras de la colección de la Galería y explora el papel crítico que desempeñaron los bienes importados en la cultura japonesa durante este período trascendental (ver artículo: Cultura Finlandesa).
Arte Barroco en japon
Poemas de Arte Barroco
A continuación se encuentran ejemplos cortos, largos, mejores, famosos y nuevos de poemas barrocos. Esta lista de poemas para el barroco es un gran recurso para ejemplos de poemas barrocos y muestra cómo escribir poemas para el barroco. Las definiciones pueden ser incluidas cuando sea apropiado.
Las formas de estos nuevos poemas fueron seleccionadas por el poeta. A menudo, a los poemas se les asigna la forma incorrecta.
ejemplo:
por Brian Strand
una brisa vernal
sopla a través de
la niebla,
el desaparecer
copas de los árboles vislumbrados
de vez en cuando,
a través de la terraza
barroco y hermoso
visiones
percibido-
contradicciones
maravillarse y meditar
contemplar en
el secreto de la naturaleza
esplendor
